La Bête Noire

Raphaëlle Boitel a mis en scène et chorégraphié ce solo dans lequel elle a souhaité évoquer les souffrances que nous nous infligeons, celles que l’on nous inflige, les pressions que nous subissons, les sacrifices que l’on accepte.

Elle a pensé ce projet comme l’exploration d’une femme, à qui on demande de n’être plus qu’un corps, un corps déshumanisé, un corps animal, en référence à son passé de contorsionniste.

Cette femme face à nous est dans un corps en lutte, et qui se transforme. Elle évolue sur un agrès en forme d’escalier qui rappelle une colonne vertébrale. Elle cherche en elle la force pour supporter la douleur. Elle est comme un fil, qui se tord, prêt à rompre, un fil qui serait manipulé par un homme dans la pénombre.

Petite Reine

« Dans la continuité de La Bête Noire, j’ai créé un second volet de portraits de femmes de cirque. Cette pièce mêle performance acrobatique sur vélo et texte sur un ton décalé et loufoque. Ce portrait met en scène Fleuriane Cornet, diplômée du CNAC en 2020, avec qui je souhaite continuer le travail de transmission/insertion commencé lors de la création du Cycle de l’Absurde en mettant en scène les élèves de la 32ème promotion. Elle incarne un personnage «Sisyphien» aux personnalités multiples qui semble perpétuellement tourner en rond à la recherche d’elle-même. ».

Petite Reine, c’est donc le récit d’Edith, une femme de son temps, lumineuse et résolument optimiste, qui nous raconte innocemment, entre les lignes, sa propre chute. C’est une satire clownesque et grinçante, en vélo acrobatique sur l’emprise amoureuse et sa façon sournoise d’alterner injonctions contradictoires et attentes impossibles à satisfaire.

Ces deux projets s’inscrivent dans le cadre d’une transmission : pour interpréter ses deux créations, Raphaëlle Boitel a en effet fait appel à deux jeunes artistes diplômées du Centre National des Arts du Cirque en 2020 (32e promotion) dont elle a mis en scène le spectacle de fin d’études Le Cycle de l’absurde.

Avant de fonder sa propre compagnie en 2012, Raphaëlle Boitel a travaillé durant 12 ans avec James Thierrée. Elle a également été durant cette période interprète au théâtre, au cinéma et pour des films télévisés. Elle a depuis créé et chorégraphié ses propres spectacles (Consolation ou interdiction de passer par-dessus bord, L’Oubliée, 5ès Hurlants, La Chute des Anges, Un contre Un, Ombres portées) mais également des opéras. Elle a également créé Horizon, ballet acrobatique sur bâtiments patrimoniaux ou lieux atypiques.

Le Bruit est un doux mélange de rituels et d’histoires à (se) raconter, des histoires cachées que personne ne sait plus entendre.
L’action se déroule sous un chapiteau, dans un cirque à mi-chemin entre hier et demain. Les quinze artistes, circasien.nes et musicien.nes donnent à voir des corps pluriels rappelant l’imagerie de Fellini ou de Pedro Almodovar, dans une sorte de bestiaire carnavalesque : un homme-oiseau obnubilé par son envol, une prêtresse en extase poétique, l’histoire d’un amour capillotracté, un hybride mi-homme mi-cheval, une bricoleuse virtuose de l’établi, un patron qui perd le contrôle, une machino-instrumentaliste aux allures féline… À la frontière du sauvage, tous explorent les confins de leur humanité et la porosité des espèces.

Le Bruit, c’est de la capillotraction, du funambulisme, du fil de fer, du trapèze Washington, des équilibres, des cascades, du clown… pour le côté cirque. Et de la clarinette, de la guitare, de la basse, de la batterie, du saxophone, de la scie musicale, des claviers… pour le côté musical.

Sonore, généreux, tendre et intempestif, Le Bruit est une ode au courage, une célébration pour aimer être ensemble, peu importe qui l’on est. Vos oreilles n’en croiront pas leurs yeux !

« Nous avons décidé dans ce spectacle de ne pas céder au besoin de nouveauté et d’excitation qu’exige le monde dans lequel nous vivons. Ce monde de l’image et de l’information permanente vient effacer notre lien au passé. Notre spectacle est un rituel pour s’entraîner à suivre le cap de nos désirs, c’est une ode au courage et au dépassement de soi ».

Le Cirque des Petites Natures est un collectif de compagnies. Une « ruche » de circassien·nes, technicien·nes et musicien·nes réuni·es autour d’envies communes, enfin, surtout une : produire et diffuser du spectacle vivant !

Pour atteindre ce bel objectif, divers outils sont mis en commun : du matériel technique, des expériences, de la force vive, des réseaux, des ressources administratives et des idées !
Dix compagnies / spectacles indépendants les uns des autres évoluent en espace public, sous chapiteau, sous yourte ou en salle.
Toutes et tous souhaitent défendre un cirque pluriel, à géométrie variable et cultiver un rapport proche et vivant avec le public.

Fildefériste et funambule, Johanne Humblet insuffle à ses spectacles un esprit malicieusement punk rock, prônant le dépassement de soi et un engagement physique assez jusqu’au-boutiste.

Après Résiste (accueilli au Festival Circa en 2019) et Respire, ce troisième volet porte en lui l’urgence de vivre, d’agir et de se soulever face à l’absurdité du monde.

Servi par une dramaturgie foisonnante et une mise en scène spectaculaire, Révolte nous plonge dans les combats de cinq femmes circassiennes et musiciennes. Chacune va, avec son énergie et sa personnalité, tracer, ensemble, le chemin de la révolte. Tout tenter. Quitte à échouer, mais recommencer inlassablement.

Elles s’allient de toutes leurs forces et s’élancent pour en découdre avec tous les nœuds qui leur enserrent la gorge.
Autour de la femme prise dans une roue giratoire comme dans un cercle infernal, Johanne Humblet et ses compagnes s’obstinent, prennent tous les risques. Sur le fil ou projetées sur un filet, stimulées par la musique live, elles affrontent l’adversité dans un ballet sauvage et sensuel.

Un spectacle engagé, à corps perdus, au ton décalé et qui ne cesse de surprendre. Un cri nécessaire et galvanisant !

La compagnie Les filles du renard pâle est née en 2016, à Châlons-en-Champagne.
Ses projets artistiques sont portés par Johanne Humblet, directrice artistique de la compagnie, qui réalise différentes formes de performances funambules. Toutes les rencontres et expériences diverses sur le fil ont donné envie à Johanne Humblet d’aller plus loin dans ses recherches. Son travail et sa démarche artistique, au sein de la compagnie, sont dans le dépassement de soi, la recherche des limites et le fait de les repousser, le tout dans une volonté tenace de partage artistique, de rencontres et d’échanges.
Tous les projets de la compagnie sont accompagnés par de la musique en live.

Johanne Humblet
Elle fait ses débuts à l’Ecole de Cirque de Bruxelles, passe par l’Espace Catastrophe, puis, en 2003, quitte sa Belgique natale pour Paris. Elle y intègre la formation professionnelle de l’Académie Fratellini et y obtient son Diplôme du Métier des Arts du Cirque.
Attirée par la grande hauteur, Johanne teste, joue et explore toutes les possibilités qu’offre cet étroit partenaire : sur scène avec, entre autres Sodade du Cirque Rouages, Soritat de la Cie Timshel, La Quincaillerie Lamoureux de la Cie Max et Maurice, Les Cabanons du Buren Cirque, London 2012 avec la Cie Les Colporteurs, Komplex Kapharnaüm, Cirque Bijou (UK)… Sur écran avec, entre autres, le court-métrage Les acrobatiques – Le fil de Catherine Cabrol, et le film L’affaire Farewell de Christian Carion.

Aujourd’hui implantée en France, et riche de son expérience, Johanne décide de créer en 2016 la compagnie Les filles du renard pâle pour avoir la liberté de créer ses propres projets.
En 2021, elle devient artiste associée pour trois années à Bonlieu Scène Nationale d’Annecy et au PALC Pôle National Cirque du Grand Est.

Des nuits pour voir le jOur est un « auto-corps-trait », dans lequel Katell Le Brenn nous partage son vécu d’artiste de cirque, équilibriste et contorsionniste.

À l’origine de ce projet, il y a les nombreuses blessures qui ont jalonné son parcours. La création de ce spectacle nait de l’envie de partager ce qu’elles lui ont appris et la manière dont elles l’ont finalement construite.
À travers un récit intime et sincère, à la fois touchant et réjouissant, Katell nous livre son parcours, les grandes étapes de sa vie de circassienne et explore l’intensité d’une pratique physique de haut niveau : les accidents, l’empêchement, le renoncement… mais aussi l’ouverture des possibles, l’acceptation, l’évolution du corps et ses chemins. Jusqu’où va l’artiste dans l’épreuve du corps ?

En mots et en gestes, la circassienne nous emporte dans son histoire de femme acrobate et nous met en mouvement. Sur des variations de beatboxing ou de Schubert, situations et émotions multiples font résonner en chacun·e de nous l’universalité du corps, dans un reflet saisissant.

Ce spectacle est une incursion dans notre intériorité, une grande respiration partagée qui sublime le quotidien malgré les entraves. Il est une ode à la vie à travers les âges, alors que tout tombe à la renverse et que les injonctions se télescopent. La tête à l’envers pour voir le monde à l’endroit.

Il s’agit de la troisième création co-écrite par Katell Le Brenn et David Coll Povedano. Ce dernier signe une mise en scène audacieuse, inventive et surprenante qui accompagne avec justesse cette lecture d’un parcours courageux et sinueux.

[Elle] n’y va pas par quatre chemins : elle montre ce que l’on cache et dit ce que l’on tait ; elle crie, plutôt que chuchote, partage ses secrets.

[Ce] projet est lauréat Processus Cirque 2022 de la SACD et de la Fondation Ecart Pomaret. Des prix qui viennent récompenser la qualité d’une écriture et sa portée humaniste. Profonde, la réflexion porte aussi sur les enjeux artistiques : jusqu’où aller pour ne pas décevoir ? Que signifie réussir ? Plaire au public est-il la condition nécessaire et suffisante ? Comment dépasser ses limites ?

Léna Martinelli – Les Trois Coups – 26 juin 2023

Fondée en 2006 à Saint Nazaire, et basée aujourd’hui à Nantes, la Compagnie Allégorie est une compagnie de cirque contemporain qui accueille les projets des artistes de cirque Katell Le Brenn et David Coll Povedano qui, après avoir été auteurices et/ou interprètes pour d’autres compagnies, portent aujourd’hui et depuis 2018, leurs propres créations en tant que co-auteurices.

« Nos créations se situent à l’endroit du cirque sensible, du cirque intime, avec un attachement au côté populaire du cirque, accessible à tous, avec une réelle envie de partage. Nous souhaitons écrire pour le cirque. Notre démarche artistique commence par l’envie, le désir de parler d’un sujet qui nous touche intimement, que ce sujet nous concerne directement ou non.
Ensuite, notre travail d’écriture se décline en trois axes : la réflexion scénographique, l’écriture ou la lecture de textes et enfin, puisque l’essence de notre écriture reste physique, la confrontation des corps aux différents dispositifs scéniques et aux textes pour créer une corporalité singulière et porteuse de sens. Cette confrontation ouvre des possibles en créant des situations que l’on n’aurait pu penser : nous recherchons ces surgissements-là. Notre cirque est à un endroit très quotidien et naturel où l’on oublie la performance, pourtant au cœur de notre écriture dans laquelle nous espérons une sincérité sur scène. »

Pas à pas, onze au total, nous vous plongerons dans un cosmos panaché. Des bouts d’histoire entre réalité et fiction et une touche de « on ne sait pas trop ». De bouffonnade, pensée métaphysique, révolte sensible et larmes saugrenues, ce voyage insolite vous mènera plus loin que le quotidien. Venez comme voulez, tout en sachant que vous ne repartirez pas pareil. Le train de la positivité est prêt à fuser !

Ces créations courtes qui finalisent leur parcours de formation et qui sont l’aboutissement de 6 mois de recherche artistique, intègrent à la fois des spécialités de cirque (jonglage, trapèze Washington, équilibre, trapèze, roue Cyr, mât chinois, corde lisse), mais aussi de la danse et du théâtre. Vous y retrouverez des univers où se mêlent joie, questionnements, folie, humour et sincérité.

How a spiral works est la rencontre de deux mondes : le ciel et la terre.
Une artiste est dans les airs, sur sa corde. L’autre danse, au sol. Elles cherchent à faire en sorte que leurs mondes se rencontrent. Chacune souhaite trouver le point de convergence, mais comment y parvenir lorsqu’on habite des espaces différents ?
Dans une relation entre chutes et envols, elles tentent de venir à bout des obstacles qui les retiennent, les empêchent. Elles sont deux mais ne doivent faire qu’une.

Art For Rainy Days est composé d’une artiste de cirque, d’une danseuse et d’un dramaturge.

Jason Dupree est directeur artistique et chorégraphe. Il est diplômé du National Centre For Circus Arts de Londres et de l’Université de arts de Stockholm. Il est directeur artistique de la compagnie Living Room Circus et cofondateur du Working Boys Club, structure de création transdisciplinaire.

Izabele Kuzelyte est une artiste de cirque qui contribue au développement et à la promotion du cirque contemporain en Lituanie. Originaire de Vilnius, elle commence le cirque dès son plus jeune âge et est diplômée de la FLIC, école de cirque de Turin en Italie. Elle a également participé à des formations organisées par divers festivals et projets internationaux. Elle allie dans ses créations chorégraphies et techniques de cirque pour parvenir à la fluidité et la fragilité qui la caractérisent.

Alise Bokaldere est danseuse et chorégraphe. Diplômée en danse contemporaine (Académie de Culture de Lettonie) elle crée et danse à l’international depuis 2018 autour de projets mêlant danse, théâtre et cirque. Sa pratique du mouvement s’articule autour l’immobilité et cherche à magnifier l’instant banal.

Ensemble, ils combinent les perceptions, et s’inspirent des points de vue artistiques des uns et des autres pour créer.

Les frontières sont plus tangibles quand on vit sur une île. C’est le constat des Réunionnais Cirquons Flex, qui s’interrogent sur la notion de société et de repli.
En 2014, la compagnie rencontre Monsieur Nativel, vieil homme vivant dans un petit village de l’île.
Ce dernier leur raconte comment, durant la Seconde Guerre Mondiale, La Réunion a été coupée du monde. Pendant cinq années, aucun bateau n’est venu ravitailler l’île, laissant la population subvenir elle-même à ses besoins. Le nom donné à cette période, « Les Années Terribles », est révélateur de la manière dont les Réunionnais.e.s de l’époque l’ont vécue.
Et si demain, nous étions coupés du monde…. Serions-nous prêts ?

À travers la parole, le cirque, le mouvement dansé et la musique, Radio Maniok est une grande forme circassienne qui s’inspire de ces « Années Terribles » et questionne l’autosuffisance heureuse. Le spectacle a été créé autour d’un collectif d’artistes réunionais·es pratiquant les portés acrobatiques, le hamac ballant, le trapèze fixe, la corde lisse, la jonglerie, la magie…
Ce sont leurs corps que les artistes mettent au service de ce récit bouleversant. Des corps libres comme le mouvement, fragiles comme les ressources.
Radio Maniok promet d’être une expérience inoubliable, mêlant acrobaties de haut niveau, mouvement dansé, musique et narration poignante.

“Les magasins qui se vident, plus de pain, plus d’huile, plus de papier, plus de farine de blé , plus que de la farine de manioc et puis même plus de manioc, plus de chaussures, plus de tissu, plus d’essence pour les moteurs, évidemment plus de pièces manufacturées, plus de machines-outils, tout qui tombe en panne, plus de pièces de rechange pour réparer, il nous a raconté tout ça, les choses très dures, les choses très belles aussi, mais plus de choses dures que de choses belles. (…)
Et de l’autre côté, dans les choses belles qu’il nous racontait, il y avait la solidarité des gens, les inventions rigolotes, comme faire de l’essence pour les voitures avec de la canne à sucre… On sentait qu’il voulait vraiment nous faire comprendre ce que ce blocus lui avait fait comprendre à lui, que ces crises-là ne révèlent pas que les lâchetés ou l’égoïsme des gens mais aussi leur courage, leur générosité, leur bonté. (…) »

Extrait du spectacle de Radio Maniok

L’histoire contée par le vieil homme a amené la compagnie à réfléchir à la capacité d’autonomie humaine. Elle résonne avec les réflexions actuelles sur l’écologie, la mondialisation et la définition du progrès.
Ces thématiques et cette notion de l’autonomie sont proches de la démarche globale de la compagnie Cirquons Flex pour qui le collectif circassien et l’utilisation du chapiteau prennent tout leur sens.

Le titre, Radio Maniok renvoie à deux éléments très importants à l’époque citée plus haut. La radio était alors le seul lien avec l’extérieur et le manioc était la culture que l’île a dû généraliser rapidement pour pallier la non-importation du blé et du riz, qui étaient les aliments de base de jusqu’au blocus.

Autour du spectacle : Exposition photo « Portraits » par Romain Phlippon.
Le photographe Romain Philippon a pris part à l’aventure en photographiant des habitant.e.s rencontré·es lors des résidences sous chapiteau. Son travail a mené à une exposition mêlant portraits et échanges autour de la question de l’autonomie.

Cirquons Flex est née en 2007 sur l’île de La Réunion, de la rencontre entre deux artistes : Virginie Le Flaouter (École Nationale de cirque de Montréal) et Vincent Maillot (artiste autodidacte).
Résolument contemporaine, la compagnie travaille à créer un cirque à l’image de La Réunion d’aujourd’hui : une île ayant intégré les pratiques ancestrales pour inspirer presque malgré elle ses mouvements actuels, urbains et ouverts sur le monde.
Véritable locomotive du développement du cirque à l’échelle de La Réunion, la compagnie sillonne l’île avec ses chapiteaux, crée des spectacles à rayonnement national et international. Elle accompagne de jeunes artistes et travaille à la création d’un lieu dédié à cet art qui a pour ambition de réunir création et transmission, artistes professionnels, amateurs et curieux.

Dans cette épopée à la sauce Tex Avery et sur une impressionnante structure, six artistes fusionnent, voltige aérienne, rodéo audacieux et prouesses techniques. Une fresque visuelle, croustillante et décalée sur le mythe de l’ouest américain.

Les P’tits Bras, c’est qui ?
Les P’tits Bras, c’est une histoire de rencontres humaines et d’échanges passionnés entre personnalités de divers horizons. A l’origine, ils étaient trois à rêver de spectacle et de cirque. En vingt ans et sept créations, la Compagnie a accueilli des artistes de différentes nationalités européennes (France, Espagne…) et internationales (Pérou, Islande, Canada…).
Leur marque de fabrique ? Les envolées acrobatiques, l’humour, la dérision et les prouesses techniques.

Avec le projet « Écritures croisées », chaque année les étudiantes et les étudiants du CNAC vont à la rencontre d’un autre champ artistique.

Cette année, place aux mariages inédits du corps et de la matière avec l’artiste Claudio Stellato.  Elles et ils croiseront leurs pratiques d’artiste de cirque (équilibres, corde lisse, mât chinois, portés, acrobatie, roue Cyr) avec un univers gracieux tout en équilibre à la frontière de la performance.

Claudio Stellato
Artiste pluridisciplinaire, né à Milan en 1977, Claudio Stellato vit et travaille à Bruxelles.
Il suit une formation à la Scuola Civica Jazz di Milano et expérimente le théâtre de rue avec différents groupes. Il voyage puis se forme en cirque et en théâtre dans plusieurs pays. En 2001, il intègre le Lido à Toulouse.
Entre 2004 et 2014, il est danseur pour différentes compagnies, entre autres : Cie Kdanse, Olivier Py, Roberto Olivan, Cie Arcat, Fré Werbrouck, Karine Pontiès, la Cridacompany et L.O.D.
Avec sa compagnie, Compagnie Claudio Stellato crée 3 pièces : L’Autre (2011), La Cosa (2016), Work (2020) dont les deux dernières ont été accueillies au Festival Circa.
Parallèlement à ses créations, il est regard extérieur sur plusieurs projets, il continue son rôle d’interprète et donne régulièrement des workshops dans différentes écoles professionnelles.
La rencontre entre matière et corps est sûrement un élément très présent dans son travail au quotidien.
Depuis mars 2024 un nouveau projet de recherche a commencé (People People) prévue pour 2026.

Après le cirque, le cabaret, la vie de troupe, Félix Tampon arrive au théâtre pour une tentative, un moment vital pour lui : LE PAS SEUL.
D’abord briser la glace, accueillir le public, faire connaissance à tout prix. Félix le déclare, il est urgent d’être ensemble, intimes. Cette soirée, c’est un chantier partagé, une histoire qui s’écrit en direct.
C’est la vie. Enfin, c’est du théâtre, mais c’est la vie.
Enfin, c’est quand même une histoire. Félix vous prévient : ce soir il ne faut pas tout attendre de lui.
Ce soir, « y’en a un qui bosse et les autres qui regardent ».

Pour répondre, Félix écrit son journal intime derrière un quatrième mur qui n’a rien d’étanche. Il s’autorise un moment en complicité, une expérience, où le clown nous invite dans une histoire dont il ne connaît ni le début, ni la fin.

Pas seul,
Pas sage,
Pas de côté…

Alain Reynaud, direction artistique :

(…) il me semble qu’il est temps de prendre un temps, ouvrir un nouvel espace de création, rassembler mes morceaux, mes bribes, mes questions pour poursuivre la route du clown, ce double, ce personnage, ce miroir au nez rouge qui dit à haute ¬voix, ce que parfois je n’ai même pas eu le temps de penser.
Mon personnage c’est Félix Tampon, je le connais bien, c’est un maître d’œuvre, un metteur ensemble, un Auguste Loyal entrepreneur dépassé par son entourage et par sa boulimie éclectique. (…)

Parfois, on amortit la déflagration en disant « directeur-artiste ». Mais la vérité, c’est bien ce grand écart auquel Alain Reynaud est devenu addict. D’un côté la casquette de directeur de la Cascade (Pôle National Cirque Auvergne Rhône-Alpes), de l’autre le chapeau de clown. Mais si cela ne faisait qu’un : politique, poétique, abruti, érudit, autorité, liberté, cadre et sorties de cases, cheminer au milieu des paradoxes, imaginer un itinéraire où rêve et réalité avancent de concert.

Se définissant comme boulimique-éclectique, il regarde et agit dans son métier depuis différents angles : acteur-clown, metteur en scène, formateur, directeur. Finalement, il s’agit toujours de mettre ensemble, relier, prendre, passer, couper la parole en mille morceaux, tout cela est bien l’ADN de Félix Tampon, son auguste personnage. Félix Tampon d’une grande fête rêvée.

Ancien élève du CNAC – Centre National des Arts du Cirque (2e promotion), Alain Reynaud est co-fondateur de la Compagnie des Nouveaux Nez avec laquelle il crée de nombreux spectacles : Cinq folies en Cirque mineur, le Jour des Petites lunes, le Théâtre des Nouveaux Nez, Mad ou Nomad…
Il met en scène les spectacles de la Compagnie Adroite Gauche, le spectacle Klaxon de la Compagnie Akoreacro ainsi que les spectacles in situ pour le Festival d’Alba : La Grande Suite, Circo Barolo, Roue Libre…
En 2015, il est invité à mettre en scène le spectacle de la 27e promotion du CNAC Avec vue sur la Piste. En 2016, il partage le plateau avec Heinzi Lorenzen et Gabriel Chamé Buendia, également clowns de leurs états, dans le spectacle Triiio.
Depuis 2018, il est artiste associé à la Philharmonie du Luxembourg où il met en scène le spectacle Chapô Chapô, puis CircoPiano, spectacles mêlant cirque et musique classique. Dans le champ de la transmission, il collabore régulièrement avec des écoles de cirque et de théâtre (CNAC, ENSATT, Comédie de Saint-Étienne…).

Avec l’arrivée de leur bébé, Maraija et Markas ont choisi d’abdiquer face à l’omniprésence des couches-culottes. Les langes ont envahi leur quotidien chamboulé qui se transforme en une chorégraphie imprévue. Toujours à la recherche de nouvelles formes d’expression, les performers ont décidé d’embrasser ce chaos et d’en faire la matière de leur nouveau spectacle. Il en ressort une performance inattendue où se mêlent absurde et sincérité.

Née en 1990, Marija Baranauskaitė est l’une des premières créatrices de cirque contemporain professionnelles de Lituanie. Danseuse contemporaine à ses débuts, elle fréquente ensuite l’école de clown Philippe Gaulier à Paris dont elle sort diplômée. Pendant onze ans, elle est actrice et conférencière chez RED NOSES Clowndoctors, une ONG dont elle devient directrice artistique entre 2018 et 2020. Elle cofonde l’Association du cirque contemporain en Lituanie. Outre ses activités d’enseignement à l’académie lituanienne de musique et de théâtre, elle a collaboré à une douzaine de performances et de compositions dans les disciplines de la danse, du théâtre et du cirque.
La pratique de Marija est orientée vers l’élément « non-humain » du cirque contemporain.

Markas Liberman est un artiste de cirque contemporain interdisciplinaire. Durant ses études en arts et cognition, son intérêt pour le cirque contemporain l’a amené à explorer comment la relation entre le corps et l’environnement se révèle dans cette forme d’art. Inspiré par ces recherches, il a commencé à créer des performances qui explorent la relation entre l’objet, l’interprète et le public.

Intérieur Nuit est la toute première création de Jean-Baptiste André, en 2004, à sa sortie de l’Ecole supérieure des Arts du Cirque de Chalons-en-Champagne (CNAC) et accueillie la même année au Festival Circa.
Vingt ans après sa programmation au Festival, revoilà cette œuvre majeure du répertoire circassien à nouveau sur la scène auscitaine.

Œuvre novatrice, à la frontière de plusieurs disciplines artistiques (contorsion, chorégraphie, équilibres, projection vidéo), Intérieur Nuit brouille les pistes, explore les limites physiques du corps, questionne l’équilibre précaire et intime de chacun.

Dans une scénographie simple composée de 2 murs à la perpendiculaire, un homme découvre son intérieur, entre minutie et obsession. Ombres et lumières donnent à cet espace la nudité d’un lieu clos, l’isolement d’une cellule de prison ou l’intimité d’une chambre dans laquelle le corps contenu cherche à se libérer.

L’utilisation de la vidéo perturbe la perception de l’espace et ouvre une quatrième dimension, renvoyant le spectateur à l’illusion des perspectives.
Les repères visuels sont déstructurés : Qu’est ce qui est à l’envers, à l’endroit ? En haut, en bas ? A l’intérieur, à l’extérieur ?

C’est le texte La Métamorphose de Franz Kafka qui a inspiré Jean-Baptiste pour la création d’Intérieur nuit. Toutes les questions de la perception physique et de la considération de l’espace abordées dans l’œuvre littéraire et en parfaite corrélation avec son art de circassien (être sur les mains, souvent la tête en bas…) l’ont poussé à développer un travail sur les murs, mélangeant les dimensions horizontale et verticale. La redécouverte extrêmement ludique, de nouveaux espaces et perceptions a été la trame de recherche de ce spectacle.

Jean-Baptiste André est né en 1979. Après plusieurs années d’entrainements et de compétitions en gymnastique, il découvre les arts du cirque. Cette discipline le sensibilise aussi au théâtre et à la danse. Il intègre le Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne, où il se spécialise dans les équilibres sur les mains et le travail du clown.
A sa sortie en 2002, il fonde l’association W avec laquelle il crée plusieurs spectacles et collabore notamment à la réalisation de films. Il est sollicité sur d’autres projets en tant que regard extérieur, et s’investit dans des ateliers et workshops. Il a reçu en 2017 le prix Arts du cirque de la SACD.

Bienvenue sous le petit chapiteau de la compagnie Bêtes de Foire : un univers singulier, où se côtoient maladresses et prouesses, petits riens et extraordinaire, apparence et faux-semblant.

Dans cette nouvelle création, Laurent Cabrol et Elsa De Witte sont rejoints par deux acolytes (un régisseur-manipulateur et un musicien) ; tous les quatre s’amusent de l’accumulation des costumes et accessoires qui les entourent. Les vêtements, chapeaux et chaussures en tout genre font naître des personnages qui évoquent, avec poésie, les petites choses de la vie.

Mais leur petit chapiteau nous réserve encore bien des surprises : des corps flottants et swinguant, des chapeaux manipulés par un homme lui-même manipulé, des empilements de manteaux, des déshabillages de vestes, des amoncellements de cabans, des vols de redingotes (…). Il y aura des violons, des guitares, des claviers, des percussions, des objets insolites, des heureux accidents, des êtres fanfares et des corps orchestres.

Autour d’un imaginaire forain, ce cirque fait de bric et de broc, est aussi touchant que fascinant.

Laurent Cabrol et Elsa De Witte sont à l’origine le talentueux duo de Bêtes de foire. Laurent Cabrol, cofondateur du Cirque Trottola, s’est nourri d’expériences circassiennes. Elsa De Witte, vient du théâtre de rue. Leurs spectacles sont à leur image : un savant mélange de cirque, de marionnettes et de théâtre.

Après avoir parcouru la France et l’Europe avec le précédent spectacle Bêtes de foire – petit théâtre de gestes pendant une dizaine d’années avec quelques 700 représentations, Bêtes de Foire revient avec une autre histoire, Décrochez-moi-ça *.

« Bas les masques ! Cette mise à nue salutaire montre l’âme d’êtres cabossés mais ô combien attachants. Ce cirque miniature, et pourtant grandiose, distille une inoubliable poésie de l’ordinaire ».

Léna Martinelli Les Trois Coups

« Leur petit cirque est un endroit pour rêver, rire et admirer.

Dans la grande tradition des artistes poètes, ils ratent tout ce qu’ils réussissent et réussissent tout ce qu’ils ratent. Sous leur chapiteau, ils nous présentent un spectacle fragile et palpitant comme un cœur qui bat ».

François Morel

* Un « décrochez-moi-ça », en français désuet, désigne une ancienne boutique de fripes, où tous les vêtements sont accrochés en hauteur, afin de gagner de la place sur un sol restreint, à la façon des étalages des Puces de Paris Saint-Ouen, par exemple.

Ce plateau permet à de jeunes artistes en apprentissage au sein des quatre centres de formation agréés par la FFEC (Centre des arts du cirque Balthazar, Arc en Cirque, Piste d’Azur, et le CRAC de Lomme) de présenter au Festival des essais circassiens et étapes de travail.

Présentations de spectacles créés par les écoles membres de la FEDEC (Fédération européenne des écoles de cirque professionnelles).

Le Festival a le plaisir de présenter CIRCLE, une série de 4 spectacles courts* (issus d’ateliers de création et de recherche artistique et pédagogique, proposés par des étudiants venus d’écoles internationales de la FEDEC. Chacun des spectacles est issu d’une collaboration entre 2 écoles.
Plus que jamais, la rencontre, l’échange et le partage sont au cœur de ce projet, présent sur le Festival depuis 15 ans.

Venez découvrir ces créations artistiques uniques et éphémères proposés par les artistes du cirque contemporain de demain qui nous viennent cette année de 10 pays différents : Belgique, Espagne, Estonie, Italie, France, Grande-Bretagne, Pays-Bas, Portugal, Suède, Suisse.

* chaque journée accueille, matin et après-midi le même spectacle.

Nouveauté  : chaque collaboration joue deux fois par jour et porte un nom d’équipe

MAR 22 OCT / 12h et 15h30 : INVERLAU : Cirko Vertigo (IT), INAC (PT), École de cirque de Lausanne (CH)
MER 23 OCT / 12h et 16h30 : The Invisible, Visible : SKH (SE), Fontys (NL)
JEU 24 OCT / 12h et 16h30 : Air Folie : Studio Folie (EE), Aircraft (GB)
VEN 25 OCT / 12h et 16h30 : Circus Crossroad : Carampa (ES), ENCC (FR), ESAC (BE)

Sélectionnés lors des Rencontres Régionales des écoles de cirque, 28 numéros d’élèves se succèderont sur la piste pour faire vibrer le chapiteau de leurs prouesses le tout accompagné par la fanfare Dix de Der.

Un grand éventail de disciplines, représentant les écoles de pratique amateur agréées par la FFEC, de la jonglerie au trapèze, en passant par le mât chinois, laissera pantois le public venu en nombre pour applaudir et encourager ces artistes en herbe.

Depuis 36 ans, le Festival Circa et la Fédération Française des Écoles de Cirque (FFEC) sont liés par un partenariat fructueux valorisant les écoles de cirque dans leur ensemble. Que ce soit pour l’enseignement, l’ouverture artistique ou encore le développement des liens entre structures, les Rencontres Nationales des écoles de cirque sont un moment incontournable de l’année pour la FFEC et ses adhérents.

Voyage irréel, ombres chinoises, objets facétieux, danse en lévitation…
La compagnie 14:20, pionnière de la magie nouvelle, invite pour un plateau magique unique différent·es artistes et offre un panorama de la création magique contemporaine.

Chaque numéro est une aventure chimérique et irréelle dans lequel les lois de la physique n’ont plus court.
Entre machination et fascination, les artistes se succèdent pour faire de la magie un art à part entière.
Faiseurs d’histoires et d’illusions, rivalisant d’adresse dans des numéros ponctués d’interludes musicaux joués en direct, leurs langages artistiques forment un patchwork de styles et de disciplines, du cirque à la danse, du théâtre à la musique, du jonglage à la marionnette au gré de leurs créations.

Un spectacle tout public, tout feu tout flamme pour sortir la magie de son statut de divertissement et atteindre celui d’art à part entière.

Fondée en 2000, la Compagnie 14:20 est à l’origine de la Magie nouvelle, un mouvement artistique mettant en avant le déséquilibre des sens et le détournement du réel. Elle défend la magie en tant que langage autonome, contemporain et populaire.

Les membres de la Compagnie 14:20, Clément Debailleul, Valentine Losseau, et Raphaël Navarro, rayonnent autour d’une dynamique constante de création, et ont développé des innovations dans le milieu des arts de la scène, présentées dans le monde entier (lévitation et vol humain, hologramme, technologie d’invisibilité…).

Leur travail ouvre de nouveaux horizons pour les dramaturgies contemporaines, force motrice incontestable du renouveau des formes dans le spectacle vivant actuel.

Vingt ans après sa fondation, aujourd’hui c’est toute une génération qui œuvre à la vitalité du mouvement de la Magie nouvelle – plus de 1000 artistes recensés à travers le monde.

Tapage c’est le titre du spectacle. Mais alors, en quoi ça consiste ?
Autour de la notion de chaos, une équipée sauvage et un « brin » décalée bouge, danse, s’attrape, se porte et parle.
Dans une succession de fragments, on retrouve pleinement l’univers inclassable de la Cridacompany entre jonglerie, manipulation d’objets, portés acrobatiques, musique, danse.
Quelque chose qui n’existe que parce qu’ils sont ce qu’ils sont.
Une aventure aussi étrange que percutante.

Cridacompany est une compagnie de cirque franco – catalane créée à Toulouse en 2006 suite à la rencontre au Lido à Toulouse de Jur Domingo et Julien Vittecoq, metteurs en scène et chorégraphes.
De la Suède au Mexique en passant par le continent africain, ils proposent des spectacles étranges et percutants, où la virtuosité côtoie l’invention d’un nouveau langage entre cirque et danse, chant et performance. Ils travaillent sur l’empêchement, l’obstacle et la déformation, faisant émerger des situations et des personnages empreints d’un humour déroutant. En photographie ou sur scène, ils se jouent du corps et de ses possibles. Dans un style dépouillé, ils s’amusent à poser un regard original sur des situations, laissant libre champ aux émotions, des plus riantes aux plus dérangeantes.

Cridacompany a été en compagnonnage avec Circa (PACS – Parcours d’Accompagnement de Circassiens Singuliers) entre 2012 et 2019.

Spectacle accueilli par L’Astrada en co-réalisation avec Circa

Cirque poétique, poésie faite cirque, Traverser les murs opaques explore la thématique du soulèvement. Soulèvement contre le poids des normes et des contraintes, contre la pesanteur de soi.

Pour les cinq artistes, les gestes sont des mots pour dire la force que l’on puise en soi-même, contre vents et marées. Sur le fil ou au trapèze, les enchaînements ne forment pas un récit linéaire, mais font écho les uns aux autres, comme autant de poèmes incarnés dans un même recueil.

Profondément inspirée par la pensée du philosophe Georges Didi-Huberman, Marion Collé interroge ici la capacité de résistance de l’humain. Lorsque l’esthétique de la scène prend le relais de la scène politique, les corps en mouvement deviennent les armes d’une lutte contre la paralysie des esprits, de l’émotion et de la sensibilité.

D’une prise de risque, aussi : Traverser les murs opaques, c’est oser franchir une frontière sans savoir ce qu’il y a de l’autre côté. Le spectacle affirme un possible réenchantement du monde, qui naît de la possibilité de se laisser enchanter par lui.

Le Maillon – Théâtre de Strasbourg – Scène européenne

Un spectacle accueilli en co-réalisation avec L’Agora, pôle national cirque de Boulazac dans le cadre du plan « Mieux produire, mieux diffuser » et accompagné par Spectacle Vivant en Bretagne.

« Ici, le cirque est utilisé comme un langage au travers duquel se raconte cette puissance de lutte, il est l’endroit où la chute ne préfigure jamais un abandon mais le retour obstiné au même mouvement, jusqu’au succès. »

Mathieu Dochtermann – La Terrasse – 30 septembre 2022

(…)
Au cœur de cette création, le désir de continuer à travailler au corps la question du langage, en explorant l’espace d’entrelacs et d’entrechocs du cirque et de la poésie. Le poème est un mouvement, un geste adressé, résolument ouvert, indissociable d’un rapport physique au monde.
La poésie sauve le monde. Il faut l’écrire, sur le papier et sur la scène. La faire vibrer, l’incarner, la dire, la partager. Pour résister au sentiment d’impuissance, j’écris sur la beauté d’être contemporaine d’un monde qui s’effondre et non sur l’effondrement de nous-mêmes dans ce monde.

Pour moi, l’acte d’écrire est un acte de résistance, indéniablement relié au corps, au geste, au souffle. Sur scène, nous n’incarnons pas des manifestations du poème, nous sommes des poèmes. (…)

Ce spectacle est là pour chercher la lumière dans l’obscurité, ouvrir l’espace sensible et toujours possible de la révolte, affirmer qu’il y a un sens collectif à donner à cette quête intime de l’émotion. Traverser les murs opaques est une vague, une marée. C’est aussi une aventure collective, un cheminement partagé. Créer ensemble, laisser les sensibilités de chacun.e entrer en résonance, ne pas chercher l’unanimité des corps mais la solidarité entre les fragments ; tel est le chant révolutionnaire que j’ai eu à cœur de faire surgir dans cette pièce de cirque et de poésie.
(…)
Se soulever est pour moi la seule possibilité d’être libre.
Il faut se préparer sans cesse à traverser les murs opaques, les traverser, puis recommencer. Recommencer à se préparer. Se préparer à recommencer. Retraverser.

Marion Collé

Marion Collé est poète et fildefériste. Après des études littéraires, elle se forme à l’Académie Fratellini et au Centre National des Arts du Cirque.
Elle fait partie du Collectif Porte27 au sein duquel elle développe une recherche où la poésie, le fil, le corps et les mots se mêlent. Elle aime avant tout faire résonner les langages, tendre des fils entre philosophie, écriture, arts de la scène. Elle s’intéresse à la question du lyrisme, de l’engagement et creuse des chemins de traverse pour faire entrer en résonance l’intime avec le monde qui nous entoure et le transformer.

Depuis 2012, elle a créé BLUE, ISSUE01, Autour du domaine (accueilli lors du Festival Circa 2016), Dans le sens contraire au sens du vent, Dans le paysage aveugle, Après le dernier ciel. Elle crée également plusieurs formes in situ en lien avec sa poésie.

Elle publie de la poésie, écrit pour le cirque et a remporté plusieurs prix littéraires. Son recueil, Être fil, est publié aux Editions Bruno Doucey (mars 2018). Le recueil Traverser les murs opaques paraîtra chez le même éditeur pour la rentrée littéraire de septembre 2024.

L’Académie Fratellini a fait appel à la compagnie MazelFreten – Laura Defretin (danseuse hip-hop connue sous le pseudonyme Nala) et Brandon Masele (vice-champion du monde de danse électro, connu sous le pseudonyme Miel) – pour créer avec les apprenti.e.s-artistes de 1ère année de l’école supérieure, une pièce de danse hip-hop électro conçue pour l’espace public.
Le spectacle Signatures, est la cohésion de dix interprètes aux identités artistiques multiples, en construction. Elle met en lumière l’importance de signer sa danse, de dévoiler des mouvements distinctifs qui deviennent les empreintes de son identité artistique. Fidèle aux codes des danses urbaines qui mettent en avant les singularités de chaque artiste, la pièce célèbre la diversité dans la création et l’unicité de chaque artiste.

Cie Mazelfreten

Brandon Masele est danseur électro, vice-champion du monde de la discipline. Laura Defretin est danseuse hip-hop.
Ils sont connus dans le monde des battles sous les pseudonymes Miel et Nala. Ils écumaient les scènes chacun de leur côté, travaillant respectivement aussi bien avec Christine and the Queens qu’avec Stromae ou encore Angèle jusqu’à cette rencontre fortuite dans un studio de danse autour d’un show de quelques minutes.

Duo d’une extrême sensibilité ils dansent une relation fusionnelle, symbiotique, bouleversée par l’envie de se redécouvrir à travers la danse. Ils créent à eux deux un langage distinctif, une gestuelle propre à leur univers chorégraphique, gestuelle qui emmène la danse électro et le hip-hop vers un public plus large. Ils créent leur compagnie en 2016 et intègrent en 2017 l’incubateur d’artistes en danse urbaine (IADU), créé par La Villette, ce qui marque un tournant important dans leur ascension et leur reconnaissance en tant que chorégraphes.

À ce jour, la compagnie MazelFreten compte à son actif cinq créations et continue de peaufiner sa patte chorégraphique à travers de nombreux projets annexes. De grandes marques font également appel à ce jeune duo atypique et novateur pour créer des contenus propres à leur image sur les réseaux ou pour des défilés hautes coutures.

Profondément passionnés par la danse et son histoire, ils mettent en place divers évènements (battles ALMD, BOMA MUTU, conférences, camps de danse, etc) . Il est primordial pour eux de créer des espaces de rencontre et d’expression pour pousser les danseurs à se dépasser dans leurs démarches artistiques, personnelles comme professionnelles.
Dans un esprit de transmission et de partage, ils créent aussi tous deux des parcours de formation et animent ces actions avec l’envie de créer des vocations chez les jeunes et de restituer à la danse tout ce qu’elle a pu leur apporter dans leurs parcours personnels.

L’Académie Fratellini

Située à la Plaine Saint-Denis (93), l’Académie Fratellini est une école supérieure de cirque de renommée internationale et un lieu de création et de diffusion de spectacles.
Elle délivre son enseignement pédagogique dans le cadre de son Centre de Formation par l’Apprentissage des arts du cirque. Ses apprenti·es obtiennent le Diplôme national supérieur professionnel d’artiste de cirque (niveau licence).

Dans le cadre de leur parcours, des temps professionnels sont conçus en cohérence avec les autres activités de l’Académie (production et diffusion de spectacles, accueil de compagnies en résidence, école de cirque pour amateurs enfants et adultes, partenariats entreprises).
Espace ouvert sur son territoire à travers ses liens avec les acteurs associatifs, économiques et institutionnels, l’Académie Fratellini participe au quotidien à la promotion et au développement des arts du cirque et s’adresse à tous les publics.

Depuis 2022 l’Académie Fratellini a entrepris d’importants travaux de rénovation et extension de ses équipements qui l’amènent à développer des projets itinérants sur te territoire francilien, et plus spécifiquement en Seine-Saint-Denis. C’est une nouvelle page de son histoire qui s’écrit, en lien avec les enjeux d’un territoire en mutation et la perspective d’une réouverture en septembre 2025.

Le Festival Circa est ravi de pouvoir rassembler au sein de son Festival les 3 écoles supérieures en arts du cirque : L’Esacto’Lido de Toulouse, Le CNAC de Châlons en Champagne, en enfin l’Académie Fratellini.

Étienne Manceau et Mathieu Despoisse se sont demandés comment aborder la notion du couple dans un spectacle. Ils se sont alors interrogés sur les différents défis qui peuvent éprouver les couples et ont retenu celui qui consiste à monter un meuble IKEA.
Il est donc l’axe et la colonne vertébrale de ce spectacle : un défi absurde et ludique qui nous plonge dans l’intimité de ce tandem malicieux et dans celle de leur relation.

PLING-KLANG est né de la rencontre entre Étienne et Mathieu, de leurs envies mutuelles d’échanger, de mélanger leurs univers artistiques et leurs manières d’être, très différentes au plateau.
Le spectacle se fabrique autant sur leurs accords que sur leurs désaccords, sans jamais entrer dans le conflit, restant à l’endroit de l’écoute et de la construction.
Leur envie de se connaître et de se rencontrer les a naturellement amenés à se raconter l’un à l’autre. L’idée d’un spectacle sur le couple, composé de récits intimes sur leurs relations, est issue de ces nombreuses discussions intimes.
Le montage d’un meuble en kit a surgi comme une évidence, comme un ultime défi de cirque, et une magnifique métaphore de la norme sociale et de la construction à deux.

Dans PLING-KLANG sont aussi évoqués le rapport aux normes sociales, à l’injonction d’être en couple et d’avoir des enfants, les désillusions, la jalousie, l’exclusivité amoureuse…
La notice de montage symbolise la feuille de route de l’existence… que les deux protagonistes suivent sans trop réfléchir et qui les questionne à plusieurs reprises par son absurdité.

Mathieu Despoisse découvre le cirque avec la jonglerie en 1996. Il est formé à Châtellerault puis Rosny-sous-Bois et diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne en 2003.
Il cofonde ensuite le Cheptel Aleïkoum, un collectif d’artistes de cirque avec lequel il passe le plus clair de son temps (à travailler). Il participe avec ses acolytes à plusieurs créations : Opus 2 avec Circa Tsuica, la fanfare cirque du Cheptel Aleïkoum, Croissance, Fanfarerie Nationale, Le Repas, Maintenant ou jamais. (tous accueillis lors de précédents festivals Circa)
Il travaille parallèlement avec d’autres compagnies, notamment de danse : La Zouze / Cie Christophe Haleb, Résidence Secondaire et Domestic flight.
On le retrouve aussi sur les spectacle Fournaise avec la compagnie Attention Fragile et Dad is Dead avec Mathieu Ma Fille Foundation. Il a été dernièrement regard extérieur sur la création Out Of The blue.
Mathieu n’est pas vraiment danseur, pas plus jongleur, acrobate ou musicien mais ça ne l’empêche pas de vouloir être sur la piste. Loin de là.

Etienne Manceau suit une scolarité sans histoires, obtient un bac S et deux D.U.T. Les arts du cirque et la jonglerie commencent sérieusement à lui faire du pied sous le bureau.
En 2001, il intègre pour deux ans la formation professionnelle au Lido de Toulouse durant laquelle il expérimente et se construit. En 2003, il cofonde la Cie Sacékripa.
L’art du détail, les rythmes propres à chacun, la qualité d’une singularité, la densité dans la simplicité, les écorchures et les failles sont au cœur de son travail et de ses explorations manipulatoires.
Il s’emploie à cultiver, développer et enrichir ces principes en tant que chercheur et acteur au plateau (spectacles Vu, VRAI …) mais également en tant qu’œil extérieur et metteur en scène auprès des compagnies qui le sollicitent (Jonathan Guichard, Cie H.M.G, spectacle 3D / Julien Mellano, Collectif Aïe Aïe Aïe, spectacle Ersatz…).

Fascinés par les découvertes d’empreintes de Néandertal au Rozel (Manche), Olivier Meyrou et Matias Pilet, également inspirés par la notion de trace, créent avec Huellas un duo acrobatique sur la rencontre entre le Néandertalien et l’Homo sapiens.
Couplant l’acrobatie à l’archéologie, Huellas (qui signifie « traces ») nous connecte à nos lointains ancêtres et nous replace dans l’histoire humaine.
Sur un sol argileux, les acrobates explorent tout le potentiel humoristique de la rencontre entre ces deux humanités, du choc culturel entre un mouvement brut et une gestuelle maniérée.
Huellas est un voyage corporel, un voyage à travers le temps. Une invitation acrobatique, musicale et sensorielle à envisager le futur plus sereinement.

« Comme tout le monde, nous nous interrogeons sur notre futur. Nous sommes allés observer les empreintes laissées par Néandertal avec les archéologues du site paléolithique du Rozel. Des mains et des pieds figés il y a plus de 80 000 ans. Des milliers d’empreintes qui respirent encore le mouvement.
Comme les archéologues qui étudient la façon de couper un arbre avec à la réplique d’un outil découvert sur un site archéologique pour envisager un autre mode de vie – et au-delà une philosophie – nous nous sommes inspirés de ces empreintes pour créer un mouvement brut lié à la nécessité. L’acrobatie est un art de l’exploration. L’exposition à notre part animale, nous connecte à ce qui fait la permanence de la nature humaine. Les réponses aux questions existentielles se trouvent aussi dans cette exploration. »

Matias Pilet est acrobate et danseur.
Il a joué et co-écrit Nos Limites avec Alex Fournier et Radhouane El Meddeb, Acrobates de Olivier Meyrou et Stéphane Ricordel, TU, LA FUITE et ANALOUSIA de Olivier Meyrou. (…) Il a aussi joué dans Parade (Théâtre du Chatelet).
Il a créé en 2022, la compagnie Hold-Up & Co qui développe Huellas et des projets de spectacles in situ avec un programme de médiation en immersion attaché. (…)
Il suit depuis cinq ans les formations intensives autour du GAGA Movement Language.

Fernando Gonzalez Bahamondez est acrobate.
Il est né à Punta Arenas en Patagonie chilienne. Il vit actuellement à Montréal où il a collaboré ces dernières années avec diverses compagnies (Acting for Climate, Les 7 doigts de la main, Gypsy Kumbia Orchestra, Machine de Cirque).
Son parcours artistique est parsemé de rencontres avec des artistes qui l’ont marqué et l’ont influencé.
Il approfondit une acrobatie hybride qui intègre de multiples langages corporels (la technique acrobatique, la danse, la danse urbaine…). Il suit actuellement une spécialisation à l’Ecole Nationale de Cirque de Montréal comme formateur des Arts de cirque.

A la fois spectacle, film et conférence, Suzanne : une histoire du cirque raconte l’histoire de Suzanne, artiste voltigeuse dans les années 50 et de la drôle d’enquête menée pour reconstituer son impressionnant numéro de voltige.

Il y a environ 70 ans, Suzanne et son mari présentent à travers le monde un numéro de voltige époustouflant. A 10 mètres de hauteur, sans filet. À chaque représentation, il faut le geste juste, sûr, exact, pour conjurer le risque. C’est quitte ou double, à chaque fois.

C’est en 2017 qu’Anna et Fragan rencontrent Suzanne, alors âgée de 84 ans. Ils découvrent son histoire et s’interrogent sur le cirque de la « grande époque ». Sur un art singulier, exigeant et éphémère, où l’on s’engage tout entier, mais qui s’accomplit dans l’instant, et ne reste que dans le souvenir de quelques-uns.

« En 2017, je rencontre par un heureux hasard Suzanne M. Elle a aujourd’hui 90 ans et, de 1948 à 1965, elle a été voltigeuse. (…)
Simplement heureuse et fascinée à l’idée d’échanger avec une circassienne de la grande époque, je me suis rendue à notre premier rendez-vous sans imaginer où cette rencontre me mènerait – et certainement pas sur scène. Mais Suzanne m’a bouleversée, pour le morceau d’histoire qu’elle représente, car à travers son récit on entrevoit la liberté offerte par ce métier extraordinaire grâce auquel elle pouvait, dans les années 50, montrer sa force, son corps, son talent, voyager, avoir un salaire égal à celui de son mari, mais aussi pour la somme d’archives qu’elle avait conservées avec minutie et qu’elle a dépoussiérées devant moi, et enfin, sans doute, pour les enfants qu’elle n’a pas eu et qui ne recevront pas ces précieux souvenirs en héritage.

J’ai tout de suite eu l’intuition qu’il fallait raconter l’histoire de Suzanne, en sauvegarder une trace, vivante et accessible. Cela venait tisser des liens avec ma propre histoire, toucher mon rapport au cirque, au souvenir, et peut-être à la mort. On a donc commencé à enregistrer nos rencontres, puis à les filmer, dans l’idée de donner un jour forme au récit récolté. (…)

Finalement, c’est sur scène que nous avons choisi de raconter cette rencontre avec Suzanne et la recherche au long cours qui s’en est suivie. (…) »

Anna Tauber et Fragan Gehlker : réalisation et mise en scène

Anna Tauber se définit comme une circassienne hors-piste.
D’abord attachée de production au Théâtre de la Cité internationale à Paris de 2011 à 2014, elle a assumé sa
passion du cirque en accompagnant à la production et à la diffusion de jeunes compagnies (Groupe Bekkrell, Marcel et ses drôles de Femmes). Elle a rejoint L’Association du Vide fin 2014 pour assurer la diffusion du spectacle fondateur de la compagnie : Le Vide – essai de cirque, un projet porté par Fragan Gehlker, acrobate à la corde lisse. Sorti du Cnac en 2010, il pratique la grande hauteur, souvent sans sécurité. En 2020, Anna et Fragan ont co-écrit avec Viivi Roiha, Dans ton cirque, une petite forme dédiée au plein air.

Suzanne : une histoire du cirque est le premier projet qu’Anna initie, avec l’ironie joyeuse d’être à son tour soutenue par des artistes qu’elle a accompagnés.

« Ce qu’Anna Tauber réussit c’est la mise en récit et en action d’une certaine histoire du cirque, à travers son regard à elle, singulier dans son acharnement à vouloir raconter Suzanne, et ce malgré les obstacles qu’elle ne nous cache pas. Son point de vue est construit par une culture personnelle de l’histoire du cirque, une admiration pour la prise de risque, et de nombreuses interrogations, du changement des codes du cirque à l’évocation d’une nostalgie du spectaculaire et d’une mélancolie du futur. »

Zone critique – Marguerite de Hillerin – 22 mars 2024

Ex-ovo questionne l’impact de la maternité sur la vie professionnelle et privée des circassiennes.

Elles sont quatre. Mamans. Ou pas. Elles se racontent, nous racontent leur rapport intime à la maternité, leurs joies, difficultés ou encore colères. Être mère et être artiste est un questionnement permanent sur le collectif, les processus de domination, de transmission et de création.
Comment trouver, au quotidien, une belle place aux enfants sans sacrifier l’accomplissement de son propre spectacle intérieur ? Entre absurdité et poésie, avec une dose d’humour, ces paroles de mères dessinent un panorama des complexités de la féminité contemporaine.

Ex-ovo se situe dans la lignée du spectacle Me Mother accueilli lors du Festival Circa 2018, qui mettait en scène des circassiennes enceintes et jeunes mères et abordait des questions relatives à la créativité et aux bouleversements physiques d’une grossesse et d’un accouchement sur un corps qui est un métier, un art.

Lucie Boulay est comédienne de cirque issue de la formation du Centre des Arts du Cirque de L’Esacto’Lido de Toulouse. Elle co-fonde en 2007 le Boustrophédon – direction artistique de C. Coumin, et est co-autrice et interprète des créations de cette compagnie jusqu’en 2014.
Depuis sa création en 2017, la vie de la compagnie Le Grand Raymond est une succession de fabrication et de diffusion de spectacles pluridisciplinaires, proches du cirque et pouvant toucher aussi à la marionnette, à la musique vivante, avec toujours une trame et une interprétation théâtrales affirmées.
La compagnie développe aussi avec intérêt un travail autour des aventures de territoires, des actions culturelles ambitieuses et de la création amateure sous toutes ses formes.

Six artistes au sommet de leur art s’emparent de leurs agrès : corde, cannes et cerceaux, tissu aérien, échelles et anneaux, pour créer ce spectacle où chaque geste, finement ciselé, souligne leur détermination à vivre, à résister et à…rêver envers et contre tout. Dans une ambiance en clair-obscur qui soulignent les lignes des corps athlétiques, la compagnie Inshi développe une écriture sous tension.

Le spectacle alterne mouvements collectifs chorégraphiés et numéros individuels dont l’introduction est le rêve de chaque interprète, énoncé en voix off, entre souvenir intime et réflexion sur le présent empêché. Chaque artiste y déploie l’expression de sa technique parfaite et poussée à son paroxysme. Nulle démonstration ici mais la traduction naturelle d’un savoir-faire. Savoir-faire qui s’ouvre sur une dimension résolument poétique induite par le regard du metteur en scène qui utilise toutes les ressources de ses interprètes.

Avec Rêves, nous sommes de plain-pied dans un cirque de la performance qui magnifie le corps circassien, qui donne à voir et à comprendre l’essence de cet art où chaque détail compte.

L’histoire du Cirque Inshi est une histoire de ténacité et de virtuosité : la troupe s’est fédérée sous l’impulsion de Roman Khafizov pendant l’épidémie de Covid, durant laquelle les artistes, immobilisés dans leur pays, ne pouvaient plus honorer les tournées à l’international qui ont assis leur renommée.

Créé en 2020, le spectacle éponyme Inshi a immédiatement rencontré un vif succès. Durant l’été 2021, un second spectacle voit le jour, Rêve. Comme une allégorie de la liberté, le désir d’un cirque total.

Mais en février 2022, leur rêve est brisé net par l’invasion russe. Forcés à l’exil, la troupe s’éclate et… se reforme à Paris, cherche des appuis mais cela est loin d’être simple. L’obstination de Roman Khafizov finit par payer et le monde du cirque se rassemble autour de ces artistes empêchés. Se profile alors ce nouveau projet, Rêves au pluriel, comme un pied de nez à l’Histoire, une réaffirmation de la force de la création.

Ce spectacle créé le 15 novembre 2023 au Théâtre Graslin, à Nantes, est le fruit de la mobilisation du réseau Territoires de Cirque qui a décidé d’accompagner Roman Khafizov, artiste ukrainien en exil, afin de lui permettre de créer à nouveau, en France, avec de jeunes artistes issus de l’école nationale de cirque de Kiev, école internationalement reconnue pour son exigence et son haut niveau de formation.

Prenant la forme de l’autofiction, le spectacle traverse les multiples états d’un changement intérieur comme autant de chemins possibles entre visions floues, trous d’air et moments d’avancement. Une performance sensible, brute et très physique au cœur de l’intimité de Viivi Roiha dans laquelle cette dernière met à l’épreuve ses forces et ses faiblesses.

Ce qui a poussé Viivi à créer son premier solo, c’est le choix de raccourcir sa corde ouvrant ainsi un nouveau champ des possibles : un plus grand vide et un autre rapport au sol. Sur une scène épurée, seule avec sa partenaire de toujours, elle donne à voir des moments de gloire, d’échec, de joie et de solitude nous rappelant la multiplicité des émotions qui façonnent nos vies.

La musique originale, composée et en partie improvisée en direct, fait vibrer l’espace en mêlant les machines et la voix du musicien-plasticien Mika Pusse. L’ensemble nous transporte à travers différentes hauteurs et moments intérieurs, vers la puissance de la Vulnérabilité.

Viivi Roiha, spécialisée dans la corde verticale, a commencé le cirque en 1997 en Finlande. Elle a déménagé en France en 2009 pour intégrer le Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne. Après avoir obtenu son diplôme en 2012, Viivi a travaillé pour de nombreuses compagnies (Le Gdra, Cie Rhizome/Chloé Moglia, Circo Aereo, Circus Xanti, Mad in Finland, Aabens Dans, Cirque Inextremiste…). Participant dans des projets multidisciplinaires/ jeune public/ in situ/ opéra/ chapiteau etc.
Viivi est également co-créatrice avec Sade Kamppila d’une performance in situ dans la forêt, Metsä – the forest project (2016), et de Dans ton cirque (2020), un duo de corde lisse avec Fragan Gehlker, co-créé avec Anna Tauber de l’association du Vide. « V » est le premier projet solo de Viivi Roiha.

inTENSE est basé sur le principe des « forces rendues visibles ».
Les artistes s’inspirent de domaines tels que l’architecture, l’anatomie et la société humaine et de leurs divers exemples de forces de traction et de compression, amenant soit à l’équilibre en se contrecarrant de manière dynamique, soit au déséquilibre et créant alors du mouvement.
Ensemble, ces forces créent une structure adaptative et résiliente qui plie plutôt que ne se brise, le meilleur exemple étant celui du corps humain.

Dans ce travail, la compagnie explore les états d’équilibre et de déséquilibre, l’atteinte du point d’échec et le retour à l’état d’origine. Les artistes puisent leur inspiration dans la pensée relative au Manifeste du Métamodernisme : « … la condition changeante entre et au-delà de l’ironie et de la sincérité, de la naïveté et de la connaissance, du relativisme et de la vérité, de l’optimisme et du doute, à la poursuite d’une pluralité d’horizons disparates et insaisissables. Il faut aller de l’avant et osciller ! »

inTENSE permet de visualiser les forces de traction et de compression à travers le mouvement, les disciplines de cirque (aériens et acro-danse), les éléments visuels et créatifs, en trouvant dans le concept abstrait le point de vue humain. Les agrès vont créer l’espace dans lequel les artistes peuvent habiter, s’équilibrer, établir leurs relations et le système d’interactions. C’est la métaphore du cadre, de nos prérequis quotidiens, qu’il s’agisse de la structure du bâtiment que nous habitons ou la structure de la société dans laquelle nous trouvons notre place.

La compagnie Taigi Cirkas a été créée en 2016 à Vilnius, en Lituanie. Son nom peut être traduit du lituanien par « Mais c’est du cirque », ce qui signifie qu’il s’agit de quelque chose qui n’a pas besoin d’être expliqué.

Konstantin Kosovec est artiste de cirque et pratique principalement l’acrobatie aérienne. Formé dans les écoles de cirque Rogelio Rivel à Barcelone, FLIC à Turin et à l’École Nationale de Cirque à Montréal, il est le co-fondateur des compagnies Taigi Cirkas et Insomnis et est également l’un des co-fondateurs de l’Association du Cirque Contemporain de Lituanie. Il donne des conférences sur les arts du cirque en Lituanie et dans de nombreux autres pays européens

Elena Kosovec est une artiste de cirque originaire de Vilnius en Lituanie ; elle pratique la corde aérienne. Elle se forme via une pratique individuelle et la recherche notamment dans les écoles de cirque de Vilnius, Barcelone et Turin. Elle suit parallèlement une formation en management et organisation d’évènements.
Elle co-fonde le cirque Taigi Cirkas et l’Association du Cirque Contemporain de Lituanie, qu’elle dirige. Elle est titulaire des certificats de dramaturgie du cirque des écoles de cirque ESAC (Belgique) et CNAC (France).

Izabele Kuzelyte est une artiste de cirque qui contribue au développement et à la promotion du cirque contemporain en Lituanie. Originaire de Vilnius, elle commence le cirque dès son plus jeune âge et est diplômée de la FLIC, école de cirque de Turin en Italie. Elle a également participé à des formations organisées par divers festivals et projets internationaux. Elle allie dans ses créations chorégraphies et techniques de cirque pour parvenir à la fluidité et la fragilité qui la caractérisent.

L’Académie Fratellini a fait appel à la compagnie MazelFreten – Laura Defretin (danseuse hip-hop connue sous le pseudonyme Nala) et Brandon Masele (vice-champion du monde de danse électro, connu sous le pseudonyme Miel) – pour créer avec les apprenti.e.s-artistes de 1ère année de l’école supérieure, une pièce de danse hip-hop électro conçue pour l’espace public.
Le spectacle Signatures, est la cohésion de dix interprètes aux identités artistiques multiples, en construction. Elle met en lumière l’importance de signer sa danse, de dévoiler des mouvements distinctifs qui deviennent les empreintes de son identité artistique. Fidèle aux codes des danses urbaines qui mettent en avant les singularités de chaque artiste, la pièce célèbre la diversité dans la création et l’unicité de chaque artiste.

Cie Mazelfreten

Brandon Masele est danseur électro, vice-champion du monde de la discipline. Laura Defretin est danseuse hip-hop.
Ils sont connus dans le monde des battles sous les pseudonymes Miel et Nala. Ils écumaient les scènes chacun de leur côté, travaillant respectivement aussi bien avec Christine and the Queens qu’avec Stromae ou encore Angèle jusqu’à cette rencontre fortuite dans un studio de danse autour d’un show de quelques minutes.

Duo d’une extrême sensibilité ils dansent une relation fusionnelle, symbiotique, bouleversée par l’envie de se redécouvrir à travers la danse. Ils créent à eux deux un langage distinctif, une gestuelle propre à leur univers chorégraphique, gestuelle qui emmène la danse électro et le hip-hop vers un public plus large. Ils créent leur compagnie en 2016 et intègrent en 2017 l’incubateur d’artistes en danse urbaine (IADU), créé par La Villette, ce qui marque un tournant important dans leur ascension et leur reconnaissance en tant que chorégraphes.

À ce jour, la compagnie MazelFreten compte à son actif cinq créations et continue de peaufiner sa patte chorégraphique à travers de nombreux projets annexes. De grandes marques font également appel à ce jeune duo atypique et novateur pour créer des contenus propres à leur image sur les réseaux ou pour des défilés hautes coutures.

Profondément passionnés par la danse et son histoire, ils mettent en place divers évènements (battles ALMD, BOMA MUTU, conférences, camps de danse, etc) . Il est primordial pour eux de créer des espaces de rencontre et d’expression pour pousser les danseurs à se dépasser dans leurs démarches artistiques, personnelles comme professionnelles.
Dans un esprit de transmission et de partage, ils créent aussi tous deux des parcours de formation et animent ces actions avec l’envie de créer des vocations chez les jeunes et de restituer à la danse tout ce qu’elle a pu leur apporter dans leurs parcours personnels.

L’Académie Fratellini

Située à la Plaine Saint-Denis (93), l’Académie Fratellini est une école supérieure de cirque de renommée internationale et un lieu de création et de diffusion de spectacles.
Elle délivre son enseignement pédagogique dans le cadre de son Centre de Formation par l’Apprentissage des arts du cirque. Ses apprenti·es obtiennent le Diplôme national supérieur professionnel d’artiste de cirque (niveau licence).

Dans le cadre de leur parcours, des temps professionnels sont conçus en cohérence avec les autres activités de l’Académie (production et diffusion de spectacles, accueil de compagnies en résidence, école de cirque pour amateurs enfants et adultes, partenariats entreprises).
Espace ouvert sur son territoire à travers ses liens avec les acteurs associatifs, économiques et institutionnels, l’Académie Fratellini participe au quotidien à la promotion et au développement des arts du cirque et s’adresse à tous les publics.

Depuis 2022 l’Académie Fratellini a entrepris d’importants travaux de rénovation et extension de ses équipements qui l’amènent à développer des projets itinérants sur te territoire francilien, et plus spécifiquement en Seine-Saint-Denis. C’est une nouvelle page de son histoire qui s’écrit, en lien avec les enjeux d’un territoire en mutation et la perspective d’une réouverture en septembre 2025.

Le Festival Circa est ravi de pouvoir rassembler au sein de son Festival les 3 écoles supérieures en arts du cirque : L’Esacto’Lido de Toulouse, Le CNAC de Châlons en Champagne, en enfin l’Académie Fratellini.