Festival

Prenons le bus pour « vivre ensemble » un voyage unique !

Dans les bus ou aux arrêts de bus de la ville d’Auch, laissez-vous surprendre par les interventions poétiques, musicales et circassiennes des artistes de la compagnie l’Attraction Céleste !
De petits impromptus artistiques à saisir, le sourire aux lèvres !

Avec la complicité de Kéolis (bus Alliance)

L’Attraction Céleste, compagnie auscitaine fondée en 2006 par Servane Guittier et Antoine Manceau est en compagnonnage avec Circa pour une durée de 3 ans de 2024 à 2027. Artistes pluridisciplinaires, Servane et Antoine utilisent divers arts (jeu d’acteur, musique, mouvement, clown, cinéma, arts plastiques… ) pour créer des spectacles originaux, dont l’objectif est de créer un rapport de forte proximité avec le spectateur.

Pièce pour deux clowns-acrobates, un tas de poussière et un aspirateur dévorant.

Sur scène, deux personnages sont pris dans un tas de poussière.
Ils sont bientôt rejoints par un aspirateur. Il est banal, il fait le travail, aspirant la matière qui disparait magiquement.
Enfin… pas tout à fait. Semblable à un animal fouissant le sol pour se nourrir constamment, il en devient presque vivant… et se fait de plus en plus menaçant. Et s’il finissait aussi par engloutir ces deux individus ?
Sa bouche d’aspiration pourrait bel et bien les soulever et les entraîner dans les hauteurs, là où la poussière qui voltige devient poussière d’étoiles, là où l’aspiration prend la dimension suprême d’un trou noir !

Ce jeu devient prétexte à évoquer des questionnements métaphysiques de l’enfance, sur le temps qui passe, le cycle de la vie et la disparition, avec beaucoup d’humour et de délicatesse.

A la lisière du théâtre d’objets, Aspirator emprunte aussi à la dimension symbolique des contes et à celle acrobatique et aérienne du cirque.

« Evoquer la poussière, qui n’est autre chose que le délitement, la fragmentation de la matière, c’est se pencher sur le minuscule, le presque invisible à l’œil nu.

Enfin, parfois on trouve bien de gros moutons (ou minons) de poussière.
C’est dérangeant ces « restes » du Temps, ça nous Le rappelle.
Un processus pourtant naturel ; le Temps accomplit son œuvre.
(…)
La poussière volatile qui se révèle et danse dans un trait de lumière m’a toujours causé un drôle d’effet ; nous évoluons constamment au travers de ces milliards de petites particules ;
Des acariens, un peu de Sahara, une pincée de météorites, une poignée de cheveux, des fibres de tissus, des squames, du pollen…
(…)
Et ce cycle de renouvellement et de transformation infini : cette décomposition de toutes ces matières, qui se déplacent par les airs, se dépose, agissant sur, et venant nourrir d’autres choses – n’est-ce pas le nôtre de cycle, et plus largement celui du vivant ? (…) »

Mélissa Von Vépy

Mélissa Von Vépy, conceptrice et interprète de Aspirator débute le cirque à l’âge de 5 ans puis intègre le CNAC dont elle sort diplômée en 1999 en tant que trapéziste.
Au sein de sa compagnie, Happés, elle créé des spectacles mêlant sa pratique de l’aérien, de la danse et du théâtre.
Les éléments scénographiques qu’elle conçoit font partie intégrante de la dramaturgie de ses pièces, toujours fondées sur l’expression aérienne : les dimensions physiques et intérieures de la Gravité.

El Dorado est un bal chorégraphique où les corps deviennent objets de jonglage.

Nicanor de Elia et la Compagnie NDE poursuivent ici leur recherche à la croisée de la danse, du jonglage et de l’acrobatie. Dans cette nouvelle création, les objets traditionnels disparaissent, et c’est le corps qui devient à la fois outil, matière et terrain de jeu. Bras, jambes, poings et têtes se transforment en figures à manipuler, dans une partition physique intense et poétique.

Les six interprètes investissent la scène et explorent, à travers une gestuelle rigoureuse et libre, les notions de manipulation, de contrôle et de confiance. Le dialogue entre manipulateur et manipulé devient moteur de création, soulevant des questionnements sur le corps en tant qu’objet, sculpté par l’autre, porté, lancé, déplacé.

Dans ce langage scénique radicalement nouveau, la virtuosité physique se conjugue à une grande humanité. Les corps s’entrelacent, s’affrontent ou se soutiennent dans une danse jonglée empreinte de tension et de tendresse.

Evoluant dans un univers visuel pop et psychédélique, les artistes nous entraînent dans une traversée sensorielle et collective. Ils interrogent la notion de groupe, l’élan vital qui les relie et la puissance expressive d’un geste partagé.

Une expérience scénique vivifiante et généreuse, portée par une énergie contagieuse.

Cie Nicanor de Elia – NDE

Créée et portée par l’argentin Nicanor de Elia, la Cie NDE a vu le jour à Bruxelles en 2015 et s’est installée à Toulouse depuis. La recherche de la compagnie est axée sur l’expression du corps à travers la manipulation d’objets, la danse contemporaine, les arts plastiques et la vidéo. Ces diverses influences sont en dialogue constant et les bords s’effacent afin que le cirque, la danse et les arts plastiques cohabitent.

Jusqu’ici, Nicanor de Elia, à la base jongleur, avait influencé son jonglage par la danse. Dans El Dorado, il prend le contre-pied, et influence la danse par le jonglage.

Pour ce projet, l’équipe est composée de six artistes au plateau issus d’écoles supérieures de cirque, autodidactes, et avec un parcours dans la danse contemporaine. Ils ont tous une base fondamentale en acrobatie et chorégraphie permettant d’explorer différents univers corporels.

Entre chiens et louves nous plonge dans une épopée historique où se dévoile l’intimité de trois personnages vivant à différentes époques : 1870, 1960 et 2022.

Prodigieuse excursion dans le temps remontant jusqu’à nos jours, la pièce retrace leurs parcours et évoque ces mémoires collectives dont nous sommes fait·e·s, remplies de révoltes et d’émancipations mais qui aujourd’hui encore nous divisent.

C’est aussi un véritable témoignage sur la condition humaine qui propose une mise en lumière des oublié·e·s qui ne demandent qu’à renaître.

Conçue comme un film où les tableaux défilent, la pièce ouvre l’espace à huit artistes virtuoses de l’acrobatie, des équilibres, de la voltige, du main à main ou encore de la barre russe et du mât chinois. Ils et elles nous embarquent dans une aventure épique où se mêlent comédie, prouesses circassiennes, danse et vidéo, le tout servi par une scénographie évolutive des plus ingénieuses.

Une échappée hors du temps qui défie les lois de la gravité et est aussi drôle qu’émouvante !

Fondé en 2014, Le Cirque Le Roux est une compagnie de cirque contemporain qui intègre des artistes de cirque issus de divers pays et horizons. Engagés mais subtils, leurs spectacles explorent des thèmes tels que la solidarité, l’amour et l’égalité des genres.

Entre Chiens et Louves est né en 2023 dans le célèbre grand magasin parisien Le Bon Marche Rive Gauche. La compagnie a en effet répondu à l’invitation de son directeur artistique de créer un spectacle unique en ces murs.

Avec déjà trois créations à son actif et une quatrième en cours, le Cirque Le Roux se distingue par son originalité, son esthétique raffinée, ses performances narratives et sa virtuosité technique.

 « Histoires et époques se mélangent par la grâce de huit maestros de la haute voltige qui alternent toujours sur le fil des émotions, tableaux oniriques, humour décale et numéros maîtrisés à la perfection. (…) Absolument magique. » Daphnée Bétard – Beaux-Arts magazine

« Beauté des tableaux et des costumes rétro, contorsions et prouesses d’équilibre, d’humour et d’onirisme. Les séquences se succèdent à un train d’enfer, dans un écrin aux mille facettes et cachettes. » ELLE magazine

Cette création est issue d’un long travail de recherches et d’expérimentations, calé sur le rythme et la temporalité du monde végétal.

Dans une atmosphère musicale, Areka, Neptunia, Téthys, Kali et Sedna, les cinq plantes présentées dans ce projet, sont sensibles et leurs feuilles, tiges, ou encore racines, bougent à vue d’œil. Leurs mouvements s’apparentent à une chorégraphie où les gestes évoquent des intentions et semblent dotés de sentiments.

L’exposition-installation Tropisme Poétique, des plantes qui dansent, réalisée par Blizzard Concept, ouvre à une amplification du réel où les organismes paraissent encore plus vivants qu’à leur état naturel : un voyage onirique vers une réalité végétale à la fois détournée et décuplée.

Blizzard Concept

Blizzard Concept se définit par la recherche et l’expérimentation de la magie sous toutes ses formes, et se donne à voir principalement au travers de deux médiums : le spectacle vivant et l’installation plastique. Créatrice d’une magie des possibles, la compagnie s’appuie sur le réel pour le transformer et réenchanter le monde qui nous entoure. Si la magie nouvelle est l’art de détourner le réel dans le réel, le champ d’exploration de Blizzard Concept n’a pas de limite.

Antoine Terrieux

Jongleur autodidacte, Antoine Terrieux intègre le centre de formation de cirque du Lido, puis la formation de magie nouvelle au CNAC, où il enseigne aujourd’hui la magie. Il est directeur artistique de la Cie Blizzard Concept, fondée en 2012 avec son premier spectacle, Opéra pour Sèche-cheveux.

Dans ses créations, il développe et théorise la « Performance Autrement » et le « Hasard Merveilleux », en alliant magie, cirque, théâtre, musique, marionnettes, arts plastiques… Cette osmose pluridisciplinaire donne naissance à des formes artistiques singulières et hybrides, qui révèlent un travail de mise en présence et d’autonomie de l’objet, l’un des enjeux prépondérants de ses recherches.

Il intervient également en tant que regard extérieur et concepteur d’effets magiques pour différentes compagnies et collabore avec des personnalités reconnues telles que Valentine Losseau, Raphaël Navarro, Macha Makeïeff, Etienne Saglio, Pierre Rigal, Duo Jatekok, Philippe Beau,…

Ses créations sont aujourd’hui programmées dans de nombreuses scènes nationales, et ses expositions émergent dans des lieux d’art emblématiques, en France et à l’étranger.

Présentation de la performance CARNÉ(T) et exposition « L’envers du corps »

L’objectif de cette recherche est de comprendre ce qu’il se passe dans le corps et l’esprit d’une artiste ou d’une sportive passé un certain âge face à une demande/attente sociale.

Par le biais de l’analyse sociologique d’interviews et de témoignages d’artistes, un travail de moulage des corps en plâtre (Cie Créature – Lou Broquin) ainsi que l’observation des pratiques de circassiennes, ce projet vise à déceler les mécanismes interdépendants qui existent dans la pratique du cirque entre la performance physique et le pouvoir créatif. En remettant en question les normes établies, le projet cherche à explorer comment le corps usé, vulnérable et douloureux peut continuer à contribuer à la créativité et au renouvellement esthétique du spectacle vivant.

La performance, CARNÉ(T) est un travail de recherche sur le vieillissement du corps circassien féminin, ses possibilités et ses freins. Comment vieillir et rester un artiste de cirque, valoriser l’expérience plutôt que l’exploit ? Comment continuer sa pratique en déplaçant les codes liés à celle-ci ?

Pour ce projet de recherche, Elsa est lauréate du dispositif « Recherche dans les arts du cirque, théâtre, arts du geste, mime… » proposé par la Direction générale de la création artistique (Ministère de la culture).

Elsa Caillat sort du CNAC en 2008, diplômée en corde lisse. Elle cofonde la compagnie Toron Blues avec Clémentine Lamouret et elles créent ensemble quatre spectacles.

Fuyant un système de domination patriarcale et de compétition inhérente au milieu circassien et à leur pratique commune de la corde lisse, elles s’unissent, se soutiennent, avec pour objectif d’explorer cette dualité comme moteur de force et de sororité.

En 2023, Elsa Caillat reprend la direction artistique de la compagnie. L’évolution sociétale marquée par le mouvement #Metoo, la libération et l’affirmation de la parole des femmes l’incite à poser des mots et à nourrir une réflexion sur une pratique jusqu’à présent plus intuitive, physique et corporelle.

Les étudiant·es de 3^e année de l’ecole supérieure des arts du cirque de Toulouse présentent ici différents numéros dans une grande variété de disciplines et d’écritures.

Il y aura donc, pêle-mêle : du tissu aérien, du cirque débraillé, de l’acrodanse, du cirque opéra, du jonglage, du cirque bricolé, de l’acrobatie, du clown, de l’acrobatie clownesque, des paillettes, du cirque qui fait mal aux oreilles, de la roue Cyr, des bêtises, du cirque fantasmagorique, de l’antipodisme, du cirque errant, de la manipulation d’objets, du mât chinois, des problèmes philosophiques, du cirque trempé mais heureux, des équilibres…. du cirque sans arrêt !

« Un bruit court le long des couloirs, dans les villes et les campagnes, il enfle, gonfle et remue : les invisibles uniront leurs forces lors d’un improbable événement.
Leur mission : indéfinie.
Leurs moyens : négligeables.
Leur sens du style : relatif.
Leur volonté : j’aimerais dire « de fer ».
Mais honnêtement : limitée.

Alors viens assister à leur courage (chancelant), leur présence (approximative) et leur charisme (discutable). »

L’école supérieure des arts du cirque Toulouse-Occitanie (Ésacto’Lido) est l’une des trois écoles en France habilitée à délivrer un diplôme qualifiant le métier d’artiste de cirque (DNSP-ac).
Depuis 30 ans, la formation professionnelle de l’école est devenue une institution reconnue pour son rôle dans l’évolution des formes circassiennes contemporaines. Cette renommée est nationale et internationale ; des étudiant·e·s du monde entier fréquentent l’école.

Avec le projet Écritures croisées, chaque année les étudiantes et les étudiants du CNAC vont à la rencontre d’un autre champ artistique. Cette année, place au documentaire avec Anna Tauber et Fragan Gehlker.

Les étudiants de 3e année croisent leurs pratiques d’artiste de cirque (équilibres, mât chinois, portés, acrobatie, roue Cyr, fil, sangles, …) avec l’univers du documentaire.

L’Association du Vide est née en 2015 pour soutenir la diffusion du spectacle éponyme, Le Vide – essai de cirque. Elle est aujourd’hui co-dirigée par Fragan Gehlker et Anna Tauber. Les membres qui la composent sont à géométrie variable, selon les projets, selon les moments, selon les envies. Si la façon de se définir reste en mouvement, instable et vivante, le noyau affirmé de ce groupe hétéroclite est bien le Cirque !

En parallèle du Vide, depuis 2017, L’Association du Vide s’est mise à fabriquer d’autres choses avec l’idée tenace qu’un spectacle n’est jamais vraiment tout à fait fini.

Il y a toujours quelque chose à reprendre, à remettre en question pour chercher (et peut-être trouver) du sens à montrer ça à d’autres, inconnu(e)s, et de l’élan à faire ça plutôt qu’à manger des glaces. C’est pourquoi elle prend son temps pour fabriquer, montrer, modifier, remontrer, changer, garder, jeter, désespérer, bricoler, espérer, reremontrer…

C’est dans cette dynamique de production lente (et néanmoins active) que sont nés Dans ton cirque (2020), et Suzanne : une histoire du cirque (2024) et qu’elle lance la création d’un nouveau spectacle La Nostalgie de l’Acrobate (fin 2027).

Fragan Gehlker et Anna Tauber

L’un partant du corps, de la prise de risque à grande hauteur et de son parcours atypique entre enfant de la balle et amoureux de la philosophie et de l’écriture, l’autre partant de son bureau, d’un parcours plus « académique », de son goût pour l’écriture, la sociologie et de son amour pour les archives et le cirque en particulier, Fragan et Anna se rejoignent autour de questions communes : « Qu’est ce qui fait une vie, et notamment une vie d’acrobate ? Quel est le sens de ce que nous faisons, et quoi faire du cirque en particulier ? ».

Anna Tauber : Naviguant entre différentes écritures (artistiques, administratives, et techniques), Anna Tauber se définit comme une circassienne horspiste (ou presque). Après avoir occupé différents postes en production et diffusion au Théâtre de la Cité internationale à Paris puis au sein de jeunes compagnies de cirque (Groupe Bekkrell, Marcel et ses drôles de Femmes), elle rejoint Le Vide en 2014 et s’associe en 2017 à sa direction artistique aux côtés de Fragan Gehlker. Elle co-écrit Dans ton cirque avec Fragan Gehlker et Viivi Roiha, puis, avec Fragan Gelkher, Suzanne : une histoire du cirque où elle se retrouve seule en scène. Elle est co-auteur de la nouvelle création en cours : La Nostalgie de l’Acrobate.

Fragan Gehlker : Issu de la 21e promotion du Cnac, Fragan Gehlker écrit son premier spectacle Le Vide – essai de cirque qui connait une reconnaissance nationale et internationale et qui l’amène à créer sa compagnie du même nom en 2015. Avec quelques rares détours comme interprète (auprès d’Emmanuelle Huyn, Porte 27 et la Cie Non Nova), il continue à porter ses propres créations au sein de L’Association du Vide. Sa pratique de la corde lisse à grande hauteur et sans sécurité le poursuit dans une forme courte dédiée au plein air : Dans ton cirque qu’il coécrit avec Anna Tauber et Viivi Roiha en 2020. Avec Suzanne : une histoire du cirque, il sort de piste pour accompagner Anna à la mise en scène et à la réalisation. La Nostalgie de l’Acrobate sera sa quatrième création.

Le Pop Circus a 50 ans. Un demi-siècle ce n’est pas rien. C’est même beaucoup !

Beaucoup d’émotions, d’histoires et d’anecdotes.

Tant d’acrobaties, de saltos, d’envols de massues et d’ascensions aériennes…

Des milliers de spectacles.

Des heures d’enseignement ancrant les arts du cirque amateur sur notre territoire, tissées de complicité, de rires et de confiance entre copines et copains jouant au cirque.

C’est dans cet esprit de partage et d’amitié que vous êtes convié·es à cette soirée durant laquelle les élèves des troupes Ados et Adultes rencontrent des artistes professionnels et amateurs pour une création unique et exceptionnelle.

Parce que 50 ans ça se fête en GRAND !

« Pour une approche somatique de la Roue » 

Pour Une Approche Somatique de la Roue est une recherche qui vise à questionner l’approche traditionnelle de l’agrès en vue d’en élargir les possibilités dramaturgiques. L’approche traditionnelle est en effet centrée sur l’objet ; Stefan Kinsman imagine une approche somatique centrée sur l’être, le sujet, dans sa globalité. Entouré de chercheurs·euses et d’artistes, il développe depuis 2022 cette approche qui tend vers le sensible à travers l’écoute du corps, l’écoute du pratiquant.

Souhaitant partager cette recherche avec le grand public, il présente ici les avancées réalisées dans ce cadre au cours des trois dernières années.

Les fruits de cette exploration prendront vie en 2026 dans une création intitulée « Black Holes in the Universe – Ode à la Douceur », basée sur l’être en résonance avec son environnement. Elle sera la mise au monde de cette recherche.

Stefan Kinsman est artiste associé au Sirque, Pôle National Cirque de Nexon et artiste chercheur associé au Théâtre de l’Avant-Scène à Cognac. Il grandit au Costa Rica. En Amérique Centrale, il collabore en tant que jongleur et acrobate avec plusieurs troupes de cirque avant de partir en Europe. Il intègre le CNAC (Centre National des Arts du Cirque) où il se spécialise à la roue.

Il fonde en 2019 la compagnie La Frontera, dans laquelle il développe son travail sous trois axes : la création, la recherche et la médiation.

Deux protagonistes enlacés déambulent dans un jeu d’équilibre flottant et expérimentent une mobilité transformée d’être à deux têtes, quatre jambes et autant de bras.

Leur obstination à rester physiquement liés nous emporte dans la contemplation hypnotique d’une danse en suspension.

Une performance brève et sensible à la croisée du cirque et de la danse.

En introduction au spectacle «             »,  la compagnie L’immédiat propose cette pièce éclair pour un arbre, une interprète et un musicien. Un instant délicat, poétique et vertigineux…

« C’est collectif et personnel, spectaculaire et minimaliste, évident et fou, chorégraphique et accidentel, ça parle et ça se tait à tue-tête. Dans une scénographie sublime que personne ne signe : un arbre, vu du dessous ».

Dans une épopée au cœur du non-sens de la vie, Masacrade tourne les pages délicieuses de la mort.

Celle qui frappe, celle qu’on redoute, celle qu’on aimerait choisir, celle qu’on affronte avec panache, ou sur laquelle on tombe bêtement, celle qui nous rattrapera inéluctablement… : la mort.

Au cours de cette funeste cérémonie, nos protagonistes trapézistes et voltigeurs·euses, guidé·ess par la voix off, vont néanmoins questionner celle sans qui le trépas n’aurait pas de substance, celle sans qui le tombeau ne serait résidence qu’au néant car sans elle il n’y a point d’existence… : la vie.

Les Marcels forment un trio complice, généreux, avec un grain de folie qui leur est propre et les rend redoutablement attachants.

Ils ont la délicatesse d’aborder avec légèreté un sujet profond, de faire très sérieusement des choses absurdes, et d’amener de la virtuosité sans jamais se prendre au sérieux. La peur n’évitant pas le danger, ils ont décidé de rire de la mort pour mieux l’appréhender. Et ils·elles jouent en voltigeant, avec une fantaisie débridée qui n’est jamais gratuite, jouant avec nos peurs autant qu’avec les leurs.

L’esprit des Monty-Python n’est pas bien loin, et l’on traverse tour à tour et sans complexe différents tableaux, passant du péplum grandiloquent au cartoon énergique, du combat de catch shakespearien à l’intérieur du cerveau des personnages, d’une agonie lyrique à un enterrement-type…

Exploitant tous les espaces de leur agrès-scénographie, sorte de grand château gonflable fait de mâts, de câbles, d’échelles et de plateformes, ils·elles jouent à jouer dans cette Masacrade, n’oubliant jamais que la vie est un théâtre, jusqu’à brouiller les lignes de la représentation pour mieux nous ravir et nous tromper.

Hourvari : 1. (Chasse) Ruse qu’emploie le gibier lorsqu’il revient sur ses voies pour tromper les chiens.
2. (Sens figuré) Confusion, désordre, difficulté inattendue.
3. (Littéraire) Agitation confuse, chaos.
4. (Chasse) Sonnerie de trompe pour ramener les chiens égarés.
5. (Familier) Charivari, Grand bruit, vacarme, tapage.

Hourvari se veut être un peu de tout cela à la fois.

Hourvari est une expérience poétique et intranquille autour de marionnettes comme figures de la désobéissance et de la liberté ; voltige acrobatique et envols aériens traduisent un affranchissement de leurs manipulations.

Hourvari met en tension le jeu et le geste, le faux et le vrai, la limite poreuse entre les deux, la confusion possible.

C’est un conte initiatique où se croisent des personnages énigmatiques, des annonciateurs, des tentateurs ou des guérisseurs, mais aussi un Guignol-acrobate, un clown déchu et des Pinocchios en métamorphose, pour célébrer l’indocilité, le risque et la liberté.

C’est aussi un manifeste de courage face à la privation de liberté, une résistance à l’oppression, une façon de s’endurcir pour conserver coute que coute nos possibilités d’abandon, d’affranchissement, d’audace, d’évasion, nos choix, nos droits… mais aussi notre désinvolture, notre franchise, la possibilité d’une marginalité…

Les corps des acrobates-pantins, jouant de la relation vivant/inerte, permettent de saisir une possible manipulation physique ou cérébrale voire idéologique, visible ou invisible.

Voltige, bascule, banquine, sangles, fil, et musique live servent cette nouvelle création que Marie Molliens a voulu comme une interrogation contemporaine sur l’artificiel et l’authentique, l’agitation et la fragmentation des existences.

La Compagnie Rasposo créée en 1987, s’inscrit dans le paysage du cirque contemporain depuis 35 ans. Fondée par Fanny et Joseph Molliens, parents de Marie Molliens, la compagnie Rasposo crée aujourd’hui sous chapiteau mais est originaire du théâtre de rue. Depuis 2012, c’est Marie Molliens qui en assure la direction artistique.

La compagnie questionne les liens tissés entre le cirque et le théâtre et interroge également les codes circassiens originels, à travers un regard actuel, théâtral et émotionnel.

Voilà maintenant 20 ans que Circa accueille cette emblématique compagnie lors du Festival du cirque actuel, avec la programmation des spectacles : Parfums d’Est (2005), Le Chant du Dindon (2009), Morsure (2013), La DévORée (2016), Oraison (2021).

Avec son équipe de circassien·nes et musiciens·nes résolument internationale (France, Allemagne, Argentine, Colombie et Mexique), Motel Cactus transcende les frontières physiques, culturelles et symboliques pour créer un espace de célébration et capturer l’énergie vibrante de la culture latino-américaine.

Motel Cactus vous transmet l’envie irrépressible de croquer la vie avec passion. Le décor est posé : affirmatif, piquant, déjanté. L’humour est décalé, parfois surréaliste. Les corps jaillissent, jouent et défient les frontières avec panache en mêlant danse, cascades et acrobaties.

Dans ce cabaret, La Meute célèbre la force de l’esprit humain face à l’adversité et la capacité des individus à trouver la lumière, même dans les endroits les plus sombres. Car à l’instar du cactus, il nous faut parfois survivre dans des environnements extrêmes !

La musique latine et caribéenne est mise à l’honneur et tel une fenêtre sur le monde, Motel Cactus peut aussi se voir comme une métaphore des relations interculturelles, dans laquelle on découvre, à travers les 9 interprètes, les différents visages d’une même humanité, à la fois tendre, féroce et fragile.

Avec le spectacle Motel Cactus, la compagnie La Meute se situe en tant qu’acteur charnière au sein d’un projet plus large de coopération internationale entre la région des Hauts-de-France et le Mexique impulsé par Le Prato Pôle national cirque – Lille et le festival Ficho Chihuahua.

IGNIS [IS] NM, LATIN : FEU

Un clown. Une piste. Du feu.

Dans un cercle intime, à l’abri d’un chapiteau, une flamme s’allume. Elle vacille, grandit, gronde, éclaire.

IGNIS est un face-à-face délicat entre un homme et un élément. Entre le clown et le feu, une danse s’installe, faite d’apprivoisement, de surprises et de poésie.

Nicolas Fraiseau nous invite à redécouvrir le feu, non pas dans son aspect spectaculaire, mais dans sa fragilité, sa lenteur, ses métamorphoses.

De l’allumette discrète aux gerbes incandescentes, IGNIS déploie une esthétique du minuscule, du sensible, du rituel. Le clown, à la fois candide et profond, observe, tente, échoue, recommence. Il apprend à écouter ce langage incandescent, miroir de nos passions, de nos peurs et de nos élans vitaux.

Le feu devient ici métaphore. Il convoque l’imaginaire ancestral des mythes fondateurs, les forces opposées de la destruction et de la régénération. Chaleur protectrice, brasier révolutionnaire, lumière vacillante du souvenir ou flamme vive du désir… Il reflète la complexité du monde et de l’humain, entre chaos et renaissance.

Dans une époque où tout est filtré, sécurisé, aseptisé, IGNIS replace le feu au cœur de l’expérience collective. Il propose un retour à l’essentiel, à la contemplation, à l’archaïque. C’est un spectacle qui ne cherche pas l’effet, mais l’émotion ; qui interroge notre rapport à l’élément, au danger, à la beauté brute.

Le feu devient complice d’un récit sans paroles, porté par un corps, un regard et des flammes.

** Avertissement : Les spectateur.ices peuvent être exposé·es à quelques fumées qui peuvent être gênantes pour des personnes asthmatiques. **

Nicolas Fraiseau

Nicolas Fraiseau est franco-italien, il passe par l’École nationale de cirque de Châtellerault et sort diplômé du Centre National des Arts du Cirque en 2016.

Il travaille comme interprète dans différentes compagnies françaises depuis 2015. Il intègre la compagnie les Hommes Penchés et crée son premier solo Instable en 2018 en collaboration avec Christophe Huysman. À ses côtés, il est assistant metteur en scène au CNSAD pour le spectacle Si la vie n’est pas un jeu. En 2022 il rejoint le Collectif sous le Manteau pour la création du spectacle Mikado.

Il est lauréat de la bourse d’aide à l’écriture cirque association Beaumarchais en 2017 pour Instable et du programme d’échange et de recherche européen dans les arts du cirque Circus Without Circus en 2021.

En 2019 il se forme aux cascades et en 2024, il doit participer à la formation Effets spéciaux proposée par la FAIAR. En 2020, il cofonde le Collectif Sismique pour porter, entre autres, ses futures créations.

La certitude d’une rencontre apparaît parfois dans des circonstances hasardeuses…

Sur un objet novateur, massif et mouvant qui s’apparente à une toupie de six mètres de diamètre, deux protagonistes tissent et entrelacent leurs existences. Un monde incongru, penché et à la gravité altérée dans lequel s’ouvre un récit entre deux corps, teinté d’humour et de douceur.

Thaumazein est une pièce où le mouvement et les situations parfois acrobatiques viennent questionner la relation entre deux individus. Animé.es par le désir de faire ensemble, elle et il se confrontent à leurs maladresses, leurs incompréhensions et leurs débordements dans un environnement qui les bouscule.

Les multiples mobilités de l’objet sur lesquelles il et elles n’ont aucun contrôle sont comme autant d’obstacles malmenant leur obstination à s’allier. Chacune de leurs victoires et chacun de leurs échecs participe à dessiner les contours d’une relation à la fois forte et faillible.

Dans un monde qui tourne trop vite, où tout peut basculer, une main tendue vers l’autre est une chose qu’il nous reste pour tenir debout.

+ la représentation du lundi 20 octobre sera suivie d’un « bord plateau / jeu » : un temps de rencontre avec les artistes au cours duquel des spectateurs·rices (adultes uniquement) pourront également manipuler la structure-toupie.

 + + retrouvez H.M.G. avec « Impromptus » dim. 19 & mer. 22 oct. au CIRC

H.M.G. a été fondé par Jonathan Guichard.

Après 3D crée en 2017, 080 créé en 2021 et Nouje en 2022 (spectacle créé pour les 2°année de l’ENACR), c’est avec Thaumazein qu’H.M.G. continue d’explorer la polymorphie du spectacle vivant.

Aujourd’hui H.M.G. est incarné par Lauren Bolze et Jonathan Guichard. Leur écriture se tisse méticuleusement avec les corps. Leurs parcours d’artistes sont proches mais bien distincts. Proches par leur goût pour le mouvement et leur fascination pour le corps et sa capacité à se faire récit ; distincts par le processus employé car l’un s’est construit dans l’univers du cirque et l’autre s’est développée dans la danse contemporaine.

Jonathan Guichard est de ces artistes qui conçoivent leur propre agrès, afin de répondre à ses « envies d’état de corps particuliers, de mouvement qui sortent de (la) routine. » (…) Après le fil et la planche de bois courbe de 3D, il pense pour Thaumazein ce nouvel agrès « toupie géante » : « Chaque recherche doit avoir une valeur graphique et innovante mais aussi répondre au désir d’ouvrir un terrain de jeu inconnu. Là, j’avais envie d’altérer la gravité. » (Propos recueillis par Rosita Boisseau – Le Monde – 15 mars 2025.)

Ce spectacle permet à de jeunes artistes en apprentissage au sein de 2 centres de formation agréés par la FFEC (Arc en Cirque à Chambéry et L’Ecole de Cirque de Lyon) de présenter des essais circassiens et étapes de travail.

A l’occasion des 50 ans de leur école le Pop Circus, les élèves de l’école de cirque auscitaine proposeront un tableau d’ouverture.

Face à nous se déploient simultanément deux mondes, deux bulles, deux récits distincts.

Dans le premier, il y a le monde du récit et de la fiction. On y voit un homme en survêtement blanc et chapka renard sur la tête, trappeur des rues, glandeur des steppes, toujours à l’affût. Il traque l’instant précis. Alors inévitablement la question se pose : qui est-il ? Que cherche-t-il ? Quelle est son histoire ? On creuse, profond, jusqu’à ne plus rien voir ! Il a disparu, littéralement ! Il s’en fout, il vole !

Le deuxième monde on le connaît. C’est celui de la musique qui sonne et qui vibre avec un trio inédit et protéiforme composé (pour l’occasion !) de Lola Calvet, Agathe Pitarch et Camille Perrin. Tout en délicatesse, le petit orchestre s’amuse à jouer à la musique en se baladant sur le fil du rasoir : passant d’une instrumentation à une autre, sautant d’un genre à l’autre, il tente le vertige du grand écart en revisitant avec le même amour des œuvres de musiques classiques, traditionnelles ou encore pop.

Accueilli régulièrement au Festival Circa, Rémy Luchez invente avec Cloche un concert animé où deux univers différents cohabitent sans jamais se rencontrer. Entre les deux, une pente vertigineuse et glissante. Très glissante même ! Alors, tout devient prétexte au jeu et à l’amusement.

Un concert sonnant et trébuchant au sens propre comme au sens figuré aussi fantaisiste que réjouissant !

Rémy Luchez

Tout à la fois acrobate, danseur, clown, plasticien et poète, Rémi Luchez est un drôle d’oiseau, un véritable touche à tout. Pour écrire ses spectacles, tout part toujours du geste, du corps et du plaisir de l’acte. Son travail de recherche, fondé sur les émotions, se construit systématiquement autour des mêmes obsessions : monter une construction instable sur sa tête, sauter avec une perche, s’envoler ou créer le vertige à quelques centimètres du sol.

Diplômé du Centre national des arts du cirque de Châlons-en-Champagne en 2005, Rémi Luchez tourne pendant deux ans avec Toto Lacaille, création collective de la 17e promotion du CNAC et participe au projet Trois petits points…, mis en scène par Nikolaus.

En 2008, il est lauréat Jeunes Talents Cirque Europe pour le projet solo miettes (accueilli au Festival Circa). En 2010, il imagine une tournée à vélo avec miettes, et c’est aussi la naissance de l’Association Des Clous qu’il co-fonde avec Mathilde Menand : une structure-abris polyvalente pour porter leurs tentatives.

En 2011, il crée Nichons là avec Olivier Debelhoir, spectacle sous chapiteau avec lequel il sillonne les routes de France (dont Auch !) pendant deux ans et 80 représentations. En 2014 et 2015, il travaille comme regard extérieur sur le spectacle More Aura de Véronique Tuaillon. En 2018, il crée L’homme canon, spectacle (accueilli au Festival Circa en 2019) dans lequel il propose à la musicienne Lola Calvet de l’accompagner. En 2023, germe l’envie d’une nouvelle création : Cloche dont Circa est l’un des coproducteurs. Et aujourd’hui, nous y sommes !

Présentations de spectacles créés par les écoles membres de la FEDEC (réseau international pour la formation professionnelle aux arts du cirque)

Le Festival a le plaisir de présenter les CIRCLE, une série de spectacles courts issus d’ateliers de création et de recherche artistique et pédagogique, proposés par des étudiants venus de 13 écoles internationales de la FEDEC et de 9 pays différents (Allemagne, Argentine, Belgique, Espagne, Etats-Unis, Finlande, France, Italie, Palestine)

Venez découvrir ces créations artistiques uniques et éphémères proposés par les artistes du cirque contemporain de demain. Encore et toujours, la rencontre, l’échange et le partage sont au cœur de ce projet, présent sur le Festival depuis près de 20 ans.

Liste des écoles et ordre de passage :

• CIRCLE 1  : MAR 21 OCT / 12h
CREAT – Valence, Espagne + ESAC, Ecole supérieure des arts du cirque de Bruxelles, Belgique + Ecole nationale de cirque de Châtellerault, France

• CIRCLE 2  : MAR 21 OCT / 18h
SAB – Staatliche Artistenschule Berlin, Allemagne

• CIRCLE 3  : MER 22 OCT / 12h
Circadium – Philadelphie, USA

• CIRCLE 4  : MER 22 OCT / 18h
Palestinian Circus School – Bir Zeit, Palestine

• CIRCLE 5  : JEU 23 OCT / 12h
PROCIRK (Arc en Cirque – Chambéry, Balthazar – Montpellier, Piste d’Azur – La Roquette-sur-Siagne, CRAC – Lomme) – France

• CIRCLE 6  : JEU 23 OCT / 18h
Circo de las Artes – Tigre / Buenos Aires, Argentine

• CIRCLE 7  : VEN 24 OCT / 12h
FLIC – Turin, Italie

• CIRCLE 8 : VEN 24 OCT / 18h
TUAS – Turku University of Applied Sciences – Turku, Finlande

À quel point un cadre définit-il une peinture ? Que se passe-t-il si on enlève le cadre ? Ou inversement : que se passe-t-il si l’on retire l’œuvre et que l’on que l’on se contente de regarder le cadre ?

Frames explore cette relation entre cadre et œuvre, en plaçant l’art du mouvement physique dans des cadres visuels en plein air.

Alexander Vantournhout et ses trois co-interprètes se concentrent une nouvelle fois sur l’art du mouvement dans sa forme la plus pure. Avec minutie, les quatre performeur·euses construisent des sculptures corporelles en constante évolution à l’intérieur des cadres d’observation. Les corps s’entrelacent, se suspendent, grimpent sur les structures, marchent à l’envers, défiant à la fois la gravité et notre imagination. Chaque mouvement est une quête permanente d’équilibre, fondée sur la coopération et le contrôle du corps.

Située dans l’espace public, cette performance s’observe sous tous les angles : de face, de côté, et même d’en dessous. Les perspectives se renversent, la logique physique semble s’effacer. Frames nous invite à un parcours à travers des installations chorégraphiques où l’art et le regard se transforment en une poésie physique

« Ce regard encadré sur les possibilités de l’acrobatie laisse sans voix. » De Theaterkrant

« Un ballet aérien particulièrement fascinant. » De Standaard

Au cours de la dernière décennie, Alexander Vantournhout a créé une œuvre impressionnante et diversifiée, avec des performances de groupe comme Foreshadow (2023) et Contre-jour (2021), des solos comme VanThorhout (2022) et ANECKXANDER (2015) et des duos comme every_body (2024) et Through the Grapevine (2020). Avec Frames, il tisse une suite à la performance in situ SCREWS (2019) et vous invite une fois de plus à troquer le confortable siège de théâtre pour une exploration des limites du corps, de l’espace et de la perspective visuelle.

Sélectionnés lors des Rencontres Régionales des écoles de cirque, 32 numéros d’élèves se succèderont sur la piste pour faire vibrer le chapiteau de leurs prouesses le tout accompagné par la fanfare Dix de Der.

Un grand éventail de disciplines, représentant les écoles de pratique amateur agréées par la FFEC, de la jonglerie au trapèze, en passant par le mât chinois, laissera pantois le public venu en nombre pour applaudir et encourager ces artistes en herbe. Depuis 37 ans, le Festival Circa et la Fédération Française des Écoles de Cirque (FFEC) sont liés par un partenariat fructueux valorisant les écoles de cirque dans leur ensemble.

Que ce soit pour l’enseignement, l’ouverture artistique ou encore le développement des liens entre structures, les Rencontres Nationales des écoles de cirque sont un moment incontournable de l’année pour la FFEC et ses adhérents.

(liste des écoles à venir bientôt !)

La coulée est un solo de cirque plastique porté par Julien Ladenburger, à la frontière du jonglage et de la performance. Dans un espace scénique en perpétuelle transformation, fait d’acier brut et de matière fondante, l’artiste se confronte à une matière instable, vivante, qu’il modèle autant qu’elle le défie.

La matière, au cœur de cette recherche, se liquéfie, se fige, se brise ou s’écoule, générant un paysage sensoriel en mutation constante. La scénographie devient partenaire de jeu, provoquant des accidents, des imprévus, des déséquilibres. L’artiste s’adapte, improvise et réinvente ses gestes.

La coulée est un acte de jonglage fragile, où l’objet échappe à la maîtrise, où chaque mouvement est impacté par le changement d’état de la matière.

Une expérience visuelle et poétique unique, entre maîtrise et abandon, où lumière, chaleur et matière déclenchent un écosystème scénique vivant. La coulée, c’est un rituel d’instabilité, une tentative de jongler dans une tempête où l’univers même du cirque se consume et renaît sous nos yeux.

Julien Ladenburger poursuit ici une démarche sensible, née de son amour du travail des matériaux, entre jonglage et performance. Il y questionne la place de l’artiste face à l’impermanence, l’échec, la transformation.

La Friche

Créée pour accueillir son premier projet La coulée, La Friche est une compagnie jonglant entre cirque et arts plastiques. Elle est fondée en 2023 par Julien Ladenburger à la suite de sa sortie de l’école supérieure du CNAC à Châlons en Champagne.

La Friche défend le côté artisanal de la création où la construction d’univers rime avec un travail fait main. C’est à cet endroit qu’elle souhaite développer un cirque plastique. La singularité de la compagnie se révèle être celle-ci : façonner son stylo pour écrire.

Avec le soutien de   

« Écrire de l’involontaire, écrire un spectacle qui nous arrive, qui arrive au public ».

Ce qu’on y voit est précaire et peut disparaître à tout moment. Toutes les scènes arrivent par surprise.
C’est morcelé, brisé et le regard des spectateurs·trices reconstruit comme il peut.
Ça se joue, là, ici et maintenant, dans un chaos organisé, dans ce lieu qui semble totalement complice de cette suite de catastrophes, déséquilibres, décompositions, effondrements… Et rien ne vous sera caché. Le spectacle a lieu, littéralement.

C’est déstabilisant, surprenant, mais ô combien «             » et «             ».

C’est une déclaration d’amour à l’imprévisible écrite avec la précision d’un accident, un manifeste de l’instantané.

Compagnie L’immédiat

Camille Boitel et Sève Bernard développent leur pratique au sein de la Compagnie l’immédiat qu’ils définissent comme ceci :

“ L’immédiat est une toute jeune compagnie de 20 ans, qu’on pourrait définir, en disant qu’elle s’est spécialisée dans la complication de sa définition. Passionnée des premières fois, dédiée aux dernières fois, elle passe son temps à contretemps, à surgir et disparaître, explorant toujours, comme en débutant, ses propres récurrences.

Celles et ceux qui pensaient que L’immédiat était une compagnie spécialisée dans la catastrophe, celles et ceux qui pensaient qu’elle était une compagnie de texte, celles et ceux qui pensaient qu’elle se consacrait à la jubilation du public, celles et ceux qui étaient persuadé·es que L’immédiat jouait pour des spectateurs qui ne se savent pas spectateurs, celles et ceux qui pensaient que L’immédiat était une troupe expérimentale de performances radicales, celles et ceux qui pensaient que les spectacles étaient muets et adressés à tous·tes, celles et ceux qui pensaient à autre chose, celles et ceux qui n’y pensaient même pas, auront raison. ”

La circassienne Neta Oren et le rappeur Pierre Laloge inventent ici un dialogue haletant et inventif entre rimes et jonglage.
Elle ne parle pas, mais pense. Lui ne jongle pas, mais dit tout.
Ensemble, ils nous embarquent dans l’intimité mentale d’une jongleuse en action, sur un tempo implacable à 160 battements par minute.

Neta jongle sans relâche, portée par le rythme intérieur de ses pensées. Pierre, micro en main, est sa voix, son double, son flux mental incarné. Il dit la tension extrême pour tenir une balle en équilibre sur la tempe, la panique d’un raté, la main qui tremble, la joie éclatante d’une rattrape risquée. Et les pensées déboulent, brutes ou poétiques : le sens de la vie, la peur de décevoir, le doute, l’épuisement, le vertige d’exister sous les regards.

Le jonglage suit le flow des mots, ou peut-être est-ce l’inverse ? Au plus près des artistes, nous sommes les témoins de ce ballet mental et physique et captons chaque vibration, chaque souffle et chaque silence tendu. C’est drôle, fragile et intense à la fois.

Biographies est un duo percutant, sensible et drôle, qui décline avec un humour décalé les questions existentielles au cours d’un voyage slamé d’un genre nouveau.

Fondée en Belgique en 2009 par Bram Dobbelaere, Jordaan De Cuyper, Sander De Cuyper et Eric Longequel, la compagnie Ea Eo est rejointe en 2014 par Neta Oren. Ensemble, ils développent un langage singulier où le jonglage est à la fois matière brute et médium poétique. Au fil de leurs créations, ils explorent les potentiels expressifs du jonglage, interrogeant ce qu’il peut dire, montrer, révéler au-delà de la prouesse technique. Le geste y devient jeu, rituel, sport ou réflexion intimiste. Chez Ea Eo, le jonglage est un langage vivant, qui s’écrit à plusieurs mains, dans l’élan du collectif.

N.Ormes est une pièce sensible et engagée, dans laquelle les deux artistes repoussent les limites physiques de leurs corps, tout en déconstruisant les normes de genre.

Traditionnellement, le cirque acrobatique attribue aux hommes les rôles de porteurs – robustes, ancrés – et aux femmes ceux de voltigeuses – légères, en mouvement. Agathe et Adrien renversent ces archétypes avec une fluidité déroutante : malgré une différence de taille et de gabarit, ils alternent les rôles, se portent, s’élèvent et chutent à tour de rôle, effaçant les frontières entre masculin et féminin, force et vulnérabilité.

Leur langage scénique s’inscrit à la croisée du cirque, de la danse contemporaine et du théâtre physique. La scène devient un espace d’exploration, une arène intime où se tisse une relation en constante mutation, oscillant entre complicité tendre, luttes de pouvoir et quête d’équilibre.

La scénographie épurée laisse place à l’essentiel : les corps, leurs gestes, leurs respirations. Nous sommes invités à observer, ressentir, remettre en question nos propres représentations, à nous abandonner à la puissance des images, parfois douces, parfois dérangeantes, mais toujours profondes.

Issus de l’École de cirque de Québec, Agathe et Adrien ont d’abord travaillé au sein de grandes compagnies avant de co-fonder Acting for Climate Montréal avec Nathan Biggs-Penton. Désireux de porter un cirque porteur de sens, ils créent des œuvres où se rencontrent engagement social, réflexion écologique et recherche artistique.

Avec N.Ormes, le duo signe une pièce forte et nécessaire, où la technique circassienne devient langage politique, et où les corps racontent, avec finesse et audace, une autre manière d’être ensemble.

Avec la collaboration de la Délégation générale du Québec à Paris 

Un concept de battle qui invite à l’alchimie entre le cirque les danses urbaines !

Issus de la culture hip-hop, les battles sont des challenges où chacun·e démontre sa virtuosité à travers le mouvement et la connexion au rythme. Les participant·e·s forment des duos et présentent des performances improvisées devant un jury avisé, une DJ assure la musique, tandis qu’un MC allie poésie et rap pour mettre l’ambiance tout au long du battle, pour une explosion d’énergie et de talents !

Pour participer : 

Pour cette édition spéciale lors du Festival Circa :

• le battle est ouvert à tous les styles de danse (contemporain, danses afro-urbaines, krump, etc).
• le battle est ouvert aux disciplines de cirque suivantes : acrodanse, jonglage, monocycle…

La connexion entre le duo, la créativité, l’originalité, la musicalité, la technique et la précision sont les critères de jugement de ces battles.

Vous souhaitez participer ?
Contactez :

• Jérôme Cordoba, Ecole de cirque Les Cas du Cyrque : lescasducyrque@gmail.com – 06 88 01 92 40
  OU
• Lola Maria Guy, Impulsarte : collectif.impulsarte@gmail.com

En partenariat avec ImpulsARTe.

Concept : Lola María Guy

FEU, de Fanny Alvarez, est une performance incandescente, une décharge d’énergie pure, une célébration du mouvement et du chaos joyeux.

Ce spectacle hybride mêle acrobatie aérienne, concert improvisé au millimètre et installation vivante. Dans un décor en transformation constante, trois artistes — une acrobate et deux musicien·ne·s — font corps avec l’espace et le son.

FEU explore l’urgence d’agir, de se mouvoir, de ressentir. Ici, le bruit devient matière, le silence se fait vertige, et le plaisir, moteur essentiel. C’est une réponse poétique à l’actualité accablante, une invitation à l’intensité, à la joie frondeuse, au dérèglement sensoriel. L’acrobate Fanny Alvarez transforme l’espace en terrain de jeu radical, où le sport et l’épuisement physique deviennent des actes de résistance.

Né d’une commande du Festival d’Avignon dans le cadre de « Vive le sujet ! », FEU se décline comme un concert-chaos où les sons explosent et se superposent, où les corps cherchent l’envol. La scénographie évoque un montage scénique en direct : l’espace se construit sous nos yeux, évoluant du vide à une frénésie de câbles, d’instruments et de fumée. Chaque représentation devient ainsi un moment unique, une fête éphémère où l’on brûle d’être vivant.

Jouer de tout et jouer fort.

Spectacle accueilli par L’Astrada en co-réalisation avec Circa.

** Bus au départ du CIRC 1h30 avant – sur réservation 2€ (voir + bas) **

Fraternel·le célèbre l’esprit du cirque comme un lien vital entre artistes. Sur une mise en scène du chorégraphe Pierre Rigal, le spectacle qui rassemble les 10 apprentis de 2^ème année de l’Académie Fratellini, évoque une fraternité joyeuse et engagée, où chaque geste acrobatique incarne solidarité, virtuosité et humanité partagée.

Dans Fraternel·le, acrobates, jongleurs, voltigeurs, porteurs se soutiennent mutuellement au sens propre comme au sens figuré. Les artistes courent et virevoltent autour d’une piste circulaire bleue, comme dans un tourbillon infini, ou un univers céleste en miniature… Ils et elles vont dans un sens puis dans un autre au gré des courants d’énergie.

Et comme la métaphore d’une micro-société, le groupe traverse des moments d’harmonie mais aussi des moments de crise qui mettent à l’épreuve leur solidarité. Avec virtuosité, joie et humour Ils devront franchir les obstacles qui se dressent devant eux, et ce… toutes et tous ensemble.

Le mot fraternel·le joue aussi avec les sonorités et les étymologies communes du mot Fratellini. Le patronyme de cette grande dynastie d’artistes de cirque œuvrant depuis plus de deux siècles, signifie en italien petits frères et petites sœurs ou bien frangins, frangines…

Dès leur première année, au printemps, les élèves de l’Académie Fratellini interprètent une création imaginée spécialement avec eux et pour l’espace public. Un·e artiste est choisi·e pour concevoir et diriger cette « petite forme ». Les apprenti·es découvrent ainsi un processus de création en tant qu’interprète et participent à une tournée d’une vingtaine de dates, principalement en Île-de- France.

Ils ont déjà mis en scène la création pour l’espace public produite par l’Académie Fratellini : Christian et François Ben Aïm, Thierry Thieu Niang, Cie MazelFreten, Mourad Merzouki…

L’Académie Fratellini

 Située à la Plaine Saint-Denis (93), l’Académie Fratellini est une école supérieure de cirque de renommée internationale et un lieu de création et de diffusion de spectacles.

Elle délivre son enseignement pédagogique dans le cadre de son Centre de Formation par l’Apprentissage des arts du cirque. Ses apprenti·es obtiennent le Diplôme national supérieur professionnel d’artiste de cirque (niveau licence).

Elle forme des jeunes du monde entier au métier d’artiste de cirque. Sa pédagogie basée sur l’alternance entre formation et temps professionnels est le moteur d’un projet unique en Europe dédié à l’enseignement, la création et la diffusion des arts du cirque.

Espace ouvert sur son territoire à travers ses liens avec les acteurs associatifs, économiques et institutionnels, l’Académie Fratellini participe au quotidien à la promotion et au développement des arts du cirque et s’adresse à tous les publics.

Le Festival Circa est ravi de pouvoir rassembler au sein de son Festival les 3 écoles supérieures en arts du cirque : L’Esacto’Lido de Toulouse, le CNAC de Châlons en Champagne, et enfin l’Académie Fratellini.

Mathilde Van Volsem et Fanny Austry, acrobates pratiquant la suspension, nous conduisent ici dans un moment de contemplation.

Elles évoluent sur un simple cadre métallique suspendu, leur terrain de jeux, d’aventures et d’expéditions. Leur parcours suspendu dessine une sorte de cordée au-dessus du vide. La puissance de leur acte acrobatique répond au minimalisme de leur agrès.

Dans une chorégraphie précise, elles explorent autant leurs propres limites physiques que celles de leur cadre-agrès, comme une métaphore tout en finesse. Car nous évoluons en effet toutes et tous dans des cadres visibles ou invisibles, comme autant de limites conscientes ou inconscientes, de barrières concrètes ou abstraites.

CADRES  est un spectacle à la croisée du cirque, de la musique et des arts plastiques. Ici, le geste artistique prend ses fondements dans une réflexion sur le droit et la manière dont il ordonne les rapports humains et nos sociétés.

La suspension

Nourries par des années de collaboration aux côtes de Chloé Moglia, Fanny Austry et Mathilde Van Volsem se retrouvent pour ce projet autour de cette pratique désormais imprimée dans leurs corps.

Elles explorent le duo à l’intérieur d’un endroit commun, en suspens ou en appuis, résolument complices, elles se retrouvent dans des corps à corps qui resonnent avec leurs expériences respectives de la danse, au profit du geste artistique puissant qu’est la suspension.

Se déroulant dans un univers familier et en marge du réel, la première création de People Watching, Play Dead, observe la beauté tordue et le caractère parfois risible du comportement humain.

Dans un croisement d’acrobaties, de danse et de théâtre physique, la pièce se meut avec une physicalité plus grande que nature tout en baignant dans une atmosphère intime.

Chargé d’histoires aux apparences anodines, ce spectacle est une chronique surréaliste du familier. Loin de s’alourdir de fatalisme, Play Dead célèbre la vie, de la même manière que les gens dansent désespérément sur la dernière chanson avant que la fête se termine.

People Watching est un collectif composé de six artistes multidisciplinaires actuellement basés à Montréal au Québec. Chacun d’eux a travaillé pour des compagnies telles que Les 7 Doigts, Circa, et le Cirque du Soleil.

Les prémisses de Play Dead ont vu le jour lors du premier grand confinement lié à la pandémie de Covid. Quatre des artistes, ayant emménagé ensemble, ont pu se livrer pleinement à différentes recherches artistiques et acrobatiques dans l’espace limité de leur logement. Privé·es de leur agrès de cirque, ils et elles ont alors choisi d’explorer plus particulièrement les croisements entre acrobatie et danse.

C’est aussi ce confinement qui a influencé le propos même du spectacle. En effet, si la scénographie est celle d’un domicile, les artistes ont aussi choisi de rendre compte de l’intimité et de l’incongruité de la vie en commun suite à cette expérience. Ils et elles ont en effet vu dans cette césure imposée la fin de l’insouciance de la jeunesse et l’ont vécu comme une « prise de conscience de notre relation à l’amitié, à l’amour, à la mort, et de la fragilité de tout cela ».

Avec la collaboration de la Délégation générale du Québec à Paris 

Jef et Marica se retrouvent contraints dans leur différence, leur façon de penser et de voir le monde. Leur binôme semble ne pas pouvoir trouver de point de rencontre. Trop différents pour s’aligner, trop liés pour s’ignorer.

Au centre de ce duo, une roue de fer, à la fois ligne de fracture et point de rencontre. Elle est le lieu d’échange, de transformation. À travers elle, ils apprennent à communiquer, tombent ensemble, se relèvent pour recommencer. Leurs corps cherchent un langage sans grammaire donnant vie à un dialogue physique intense, à la fois métaphorique et abstrait, où la rencontre entre les différences devient leur moteur créatif.

Qu’est-ce qu’être deux sans se fondre ? Peut-on coexister sans compromis, sans fusion, sans hiérarchie ?

In Difference n’offre pas de réponse. Elle la performe.

La compagnie

Marica et Jef se rencontrent en 2018. Partageant la même fascination pour la recherche avec la roue, ils développent des pratiques distinctes de cet agrès. Au fil des années, ils se sentent liés par cette même obsession, laquelle les conduit à approfondir à l’extrême deux faces très différentes de la même discipline. Ils se sentent inspirés par leur diversité et leur complémentarité de pensée, physique et culturelle.

En 2022, ils se retrouvent avec l’envie de développer un projet ensemble où leurs intérêts de recherche autour de la roue auraient une place centrale.